benjamin, brecht e antropologia

Video do TS final

2011-07-03T13:52:00.004-03:00

Bem vindos ao novo prédio das Ciências Sociais!

http://www.youtube.com/watch?v=8xpLHfpT2Zk

Sr. Puntila e seu criado Matti

2011-07-02T13:29:00.004-03:00

Grupo Sem Título
James Lima, número USP 5099793
Renato Abramo, número USP 4778687
Victor Martinez, número USP 7541963
Thiago Oliveira, número USP 5422010
Lia Bissera, número USP 4335432
Priscila Tavares, número USP 6428168
Verônica Deviá, número USP 5680259
Rodrigo Oliveira Salles, número USP 5964280

Teatro-Seminário 8 - Bertolt Brecht, Sr. Puntila e seu criado Matti

Em uma mesa de qualquer bar finlandês, poderíamos encontrar sr. Puntila no começo de um trajeto que vai da avareza a generosidade e depois de volta. Embriagado coleciona amores e amizades, sóbrio, encarna um proprietário amargo. Seu motorista e amigo Matti acompanha de perto esses processos e também é o mais afetado por eles.

Nessa peça Bretch discute temas recorrentes em seus trabalhos, como luta de classes e relação entre dominante e dominado, de maneira jocosa e bem humorada. Realizamos o TS a partir de um paralelo entre a relação dos principais personagens da peça com a das famílias burguesas e seus empregados. Absolutamente dependente, a família, representada pelo papai, mamãe e filhinho passa por uma verdadeira linha de montagem na qual são vestidos, alimentados, e cuidados. Se mostram totalmente alheios a esses processos, realizando-os apenas com a mediação do empregado e de forma rigida, maquinal. Estão sóbrios. Num segundo momento os criados se foram e a família, obrigada a realizar as tarefas, apresenta imensa dificuldade.

Tanto o seminário quanto a peça demonstram uma relação assimetrica e vertical, na qual os detentores dependem muito mais do que acreditam de seus empregados, que tem um papel central em suas vidas e, não compreendendo essa realidade, os tratam como coadjuvantes.

Pedrinho e a mídia

2011-07-01T19:08:00.002-03:00

A cena se inicia com um assassinato, um jovem chega correndo grita “sua desgraçada!” e enforca a mulher que se encontrava no centro da cena. Em seguida a história é contextualizada em um telejornal, a mulher morta era a mãe de Pedrinho, garoto que havia sido seqüestrado na maternidade por uma mulher que o criou como filho e só descobriu quem eram seus verdadeiros pais aos 16 anos. Um repórter fora da cena conversa com Pedrinho que se diz revoltado e sedento de justiça. Na cena seguinte outro repórter na penitenciaria onde a mulher que seqüestrou Pedrinho está presa a procura para saber o que ela acha do caso, mas não a encontra e é avisado que ela fugiu durante a manhã. A cena final consiste em um abraço entre Pedrinho e a seqüestradora que ele tem como mãe.

Em “O circulo de giz caucasiano Brecht criou uma peça dentro da peça para convencer os donos legítimos do vale a deixá-lo com os que podem aproveitá-lo melhor. Na cena final da peça dentro da peça o cantor afirma que as coisas devem pertencer àqueles que cuidam bem delas. Pensando nisso buscamos mostrar uma realidade em que o objeto cuidado, que aqui é uma pessoa com sentimentos e capacidade de escolha, considerou que quem tinha “direito” sobre ele era a pessoa que o criou como filho apesar da contradição dele ser além de filho, mas também cativo, de sua mãe e seqüestradora.

Em busca de si

2011-07-01T19:04:00.002-03:00

Para compor a cena, o grupo debateu a respeito de uma questão fundamental: qual seria a idéia central tratada por Brecht em “O Senhor Puntilla e seu criado Matti”? para além do valor cômico da peça, claro está que o dramaturgo desejava passar uma mensagem política.

Da história da relação de amizade e repulsa dúbias em permanente tensão entre um grande latifundiário e seu empregado, encenadas por Brecht, muito se pode depreender. O protagonista apresentava duas personalidades distintas, cuja passagem se dava através da bebida ou da ausência dela: Bêbado, tratava-se de um proprietário com consciência da situação de exploração a que seus empregados estavam submetidos e, mais do que isso, que se solidarizava com eles pondo-se ao seu lado. Porém, tal situação tinha um caráter extremamente fugaz e o criado Matti tinha plena consciência disso: uma vez sóbrio, Puntilla tornava-se o mais típico dos patrões, valendo-se do poder e da situação desigual de forças entre ele e seus trabalhadores para usa-los da forma mais conveniente para seus fins.

O grupo, então, pensou a questão da identidade como o tema central da peça, pensada não como uma entidade fixa, mas sim transitória e capaz de muitas variações, com muitos indivíduos cabendo na mesma pessoa. A partir dessa decisão, foi montada a cena. Tal qual na peça, a bebida foi eleita como símbolo do processo de transição de uma identidade, de uma percepção individual de si, para outras. Para representar esse processo de transição, assim como a confrontação de diferentes “eus” da mesma pessoa que não reconhecem um ao outro, o grupo concluiu que a solução cênica mais adequada seria um jogo de espelhos.

Uma das integrantes do grupo (Clarice) foi responsável por representar o sujeito detentor de inúmeras identidades, com dificuldade em se identificar com todas. Cada um dos demais membros do grupo representou um espelho, ou antes, um reflexo, um fragmento da personalidade multifacetada do personagem. Com uma garrafa na mão, Clarice se defrontou com cada uma das suas imagens, interagiu com elas, porém, incapaz de identificar-se completamente com uma por uma pela qual passava, seguia em um processo de transição, representado pela bebida.

Cada reflexo representava um estágio na transição do estado sóbrio para o bêbado, entendidos metaforicamente. Diante do primeiro reflexo, a protagonista assumia uma postura formal e rígida, enquanto se mirava. Sua imagem a acompanhava, porém isso se deu apenas até o momento em que ela decidiu tomar um gole de bebida: nesse momento, deu-se uma ruptura entre ela e a faceta mais sóbria e formal da sua identidade. A imagem, neste momento, deixou de ser um mero reflexo e adquiriu postura própria. Enquanto Clarice se tornava mais relaxada, seu reflexo mantinha uma postura de distanciamento e reprovação. Em seguida, passando pelos demais reflexos nos demais espelhos de sua identidade, ela, em cada um, fazia um teste, buscando a perfeita sintonia. Esta, entretanto, não vinha. Se em um momento inicial o espelho reproduzia suas ações, acompanhando-a na bebida, sempre chegava um momento em que se dava a ruptura. Mais bêbada e despida das convenções sociais em cada etapa, ela seguia em frente abandonando uma faceta de seu eu que já não a satisfazia e não a completava. Por fim, no ultimo reflexo, afinal a desejada sintonia foi obtida: sua imagem partilhou da sua ânsia por transmutar-se e fazer-se menos pessoa formal e racional, a medida em que se tornava mais irracional e sentimental. O clímax da cena deu-se com a fusão entre Clarice e a sua imagem: o reflexo (Alice) abandonou o espelho e juntas beberam, abraçadas. A transição, afinal, estava completa, porém, tal e qual observado na peça do Senhor Puntilla, não seria permanente.

2011-07-01T14:27:00.000-03:00

Aline Hiane de Souza NºUSP 5902756

Ana Carolina Lima de Jesuz NºUSP 5995222

Camila Silveira Zulato NºUSP 6555188

Davidson da Silva Formigoni NºUSP 4929542

Gessimara de Sousa Fernandes NºUSP 6470163

Hélio Wicher Neto NºUSP 5163485

Ivo Paulino Soares NºUSP 6470628

BRECHT, Bertold. O círculo de giz caucasiano. In. Brecht, B. Teatro completo 9. Rio de Janeiro: Paz e Terra, 1992, p.179-296.

Na cena apresentada em classe sobre o texto O círculo de giz caucasiano, nosso grupo tenta trazer o texto de Brecht, e principalmente a disputa das mães sobre o filho, para os dias atuais, através da encenação de uma disputa de guarda de filho entre um pai e uma mãe.

Na cena apresentamos a disputa de guarda de um filho. Um pai e uma mãe, dispostos em lugares opostos do palco, contam vantagem listando em voz alta as coisas que consideram fundamentais para a criação de seu filho.

A mãe lista ações de caráter mais de criação, os momentos em que ela estava presente na vida do filho - as histórias que ela lia para ele dormir, a forma como ela ensinou a criança a ler e as dores que acalentou - e o pai lista as coisas que ele contribuiu financeiramente - uma viagem à Disney que patrocinou, o aluguel da casa, a bicicleta nova que ele o presenteou.

A justiça, ou o juiz foi representado como uma entidade cega, que necessita usar das leis que existem para julgar. No entanto, o juiz é humano, e sendo humano, tem sua própria moral e sua própria consciência que lateja intermitentemente, na cena representado por um ator que anda de um lado para outro freneticamente indignado com a situação, fazendo perguntas de ordem sentimental e espiritual para o juiz e para o público.

A justiça define que o pai tem a maior possibilidade de financiar a criança e por isso deve ter a sua guarda. Mesmo a mãe sabe que essa é a lei, por isso, em determinado momento, abdica da guarda do filho.

O que fica sem resposta são os questionamentos soltos da consciência, da representada no palco e da nossa própria, que nos pergunta se realmente aquilo que importa para a criação de um filho é o dinheiro, é o pagar a melhor escola, é dar um teto para a criança; e qual o papel do afeto, do soprar o “dodói” da criança quando ela cai da bicicleta, do ir às apresentações de balé e participar emocionalmente da criação de um filho.

Nós tentamos criar uma contraposição, até que bastante didática, daquilo que a justiça, ou mesmo o senso comum prega que é fundamental para a criação de um filho; e daquilo que todos nós sentimos, ao crescer e nos darmos conta de que talvez seja mais importante para nossa formação pessoal certos momentos imateriais e carinhos que vivemos, que todo o suporte financeiro que tivemos.

O nosso juiz cego - apesar de no fundo do seu âmago se questionar sobre sua própria decisão - decide pelo pai, que é o provedor da família. O juiz do Círculo de Giz caucasiano, ao contrário, estimulado pelo seu estado de embriaguez, consegue, de alguma forma, retirar a venda que lhe vestem, e de alguma forma, na forma do círculo de giz caucasiano, consegue enxergar a verdadeira mãe do bebê. Em seu estado embriagado ele atinge a uma verdade que todos sabemos; ele consegue através da proposta do jogo do Círculo de Giz caucasiano, revelar uma verdade inconveniente que a justiça muitas vezes não quer enxergar, mas que no fundo todos conhecemos intimamente.

2011-07-01T14:24:00.000-03:00

Aline Hiane de Souza NºUSP 5902756

Ana Carolina Lima de Jesuz NºUSP 5995222

Camila Silveira Zulato NºUSP 6555188

Davidson da Silva Formigoni NºUSP 4929542

Gessimara de Sousa Fernandes NºUSP 6470163

Hélio Wicher Neto NºUSP 5163485

Ivo Paulino Soares NºUSP 6470628

A peça em tela é uma das obras mais representativas do teatro épico desenvolvido por Brecht em sua fase de maturidade. A busca incessante de seu teatro em revelar a verdadeira alienação a que somo submetidos em nosso dia a dia sob a égide do sistema capitalista é revelado nas encenações por verdadeiros “momento de despertar”, onde as contradições dos indivíduos são expostas de maneira óbvia porém não menos cruel e surpreendente. Em Brecht “a loucura de ‘carnaval’ serve apenas para revelar a verdadeira loucura do cotidiano (Dawsey, 2009). Nas palavras de Walter Benjamim o teatro de Brecht traz o mundo em exposição para apresentar ao seu público:

Para seu público, o palco não se apresenta sob a forma de ‘tábuas que significam o mundo’ (ou seja, como um espaço mágico), e sim como uma sala de exposição, disposta num ângulo favorável. Para seu palco, o público não é mais um agregado de cobaias hipnotizadas, e sim uma assembléia de pessoas interessadas, cujas exigências ele precisa satisfazer.”

O grupo decidiu então expressar a contradição, dualidade e, porque não, hipocrisia das numerosas entrevistas de emprego de grandes empresas a que são submetidos os candidatos as suas vagas. Os personagens consistiam na entrevistadora, representante da empresa e mais quatro candidatos que formariam cada um com seu traço de personalidade, os estereótipos comumente encontrados neste tipo de acontecimento:

o candidato exemplar: aquele que possui todos os requisitos tanto de formação quanto de personalidade para ocupar o cargo;

o inocente: que acredita piamente no discurso da empresa e busca no trabalho cumprir sua “função social”;

o tímido: ou medroso, que não consegue enfrentar a situação como esperado e se refugia na sua timidez em razão da exposição provocada pelas perguntas do entrevistador

o despretensioso: figura inusitada que desdenha da “máscara” vestida pelos entrevistados e sempre diz a “verdade” quando questionado pelo entrevistador.

Inicia-se a apresentação da empresa pela entrevistadora. Que discorre sobre suas qualidade, sobre quão humana e correta são os objetivos e o ambiente de trabalho em questão. Sua ética ao lidar com seus consumidores e profissionais e, principalmente, preocupação com o meio ambiente. A ironia da história está no ramo de atividade da empresa, que é uma indústria tabagista.

Passa-se, então, para as perguntas aos entrevistados, que então, dentro do perfil traçado para cada um, respondem ou não aos questionamentos mais inusitados possíveis, como: qual seu signo?, o que faz para se divertir?, dentre outros. A busca do grupo foi realizar o contraponto do teatro encenado pelos entrevistados ao se depararem com as respostas do candidato “despretensioso”, já que eram a simples e pura verdade, comportamento que não condizia com o esperado para aquele encontro.

Com o inicio das respostas aos questionamentos, provoca-se uma situação não esperada pelo grupo. Ao perceberem que tal situação, aparentemente tão caricata, já aconteceu em suas vidas ou histórias similares já lhes foram contadas, os espectadores e integrantes do próprio grupo não conseguem evitar as risadas e é necessária uma pausa para retomar o enredo da encenação.

Após a saída dos candidatos, a entrevistadora para, então, a declamar uma fala de Matti da peça:

"MATTI - Não quero dizer nada, falo só pra matar o tempo, pra empurrar a conversa pra frente. Quando falo com os patrões, nunca eu quero dizer nada, não tenho nenhuma opinião: não se pode admitir uma coisa dessas nos empregados." (O sr Puntila e o seu criado Matti, Parte 2 página 30)

A quebra e afastamento do envolvimento do espectador com a declamação buscou trazer à tona a quebra do encantamento necessária para a compreensão da contradição a que estamos expostos ao “atuarmos” em nosso cotidiano nas diversas situações em que somos exigidos transparecer algo que nós é exigido e a dificuldade enfrentada por aqueles que não conseguem ou não querem se adaptar ao jogo de cena que a sociedade regida pelo capital exige de todos.

Como o Sr. Puntila, em seus momentos ébrios de lucidez , ou como Matti em sua frieza e ironia ao tratar com o Sr. Puntila amável e depois o sóbrio patrão, mas mesmo assim mantendo-se inerte frente aos abusos e instabilidades de seu patrão, Brecht nos mostra e nossa encenação também tentou mostrar, que todos estamos sujeitos a dialética inerente às relações de um sistema onde um sujeito vende sua força de trabalho e outro a compra, mesmo que este não seja nada mais aquele que vende, mas em determinado momento represente o proprietário da dinheiro, aquele que tudo pode e realiza no capitalismo.

BRECHT, Bertolt. “O Senhor Puntila e seu criado Matti. Rio de Janeiro: Civilização Brasileira, 1966.

São Paulo: amor e ódio, com Tom Zé e Dylan.

2011-06-30T23:37:00.002-03:00

Grupo Sem Título
James Lima, número USP 5099793
Renato Abramo, número USP 4778687
Victor Martinez, número USP 7541963
Thiago Oliveira, número USP 5422010
Lia Bissera, número USP 4335432
Priscila Tavares, número USP 6428168
Verônica Deviá, número USP 5680259
Rodrigo Oliveira Salles, número USP 5964280

Teatro-Seminário 6 – Walter Benjamin, Passagens

Em “Passagens”, Walter Benjamin reúne fragmentos que tratam da cidade de Paris. Suas ruas, boutiques, os famosos boulevards, parques e galerias. Seus tipos como os flaneurs, as mulheres ricas, os grisalhos, os comerciantes e artistas. Assim como cada peça de um mosaico constrói um grande mural, vemos a construção de uma Paris por inúmeras descrições de nuances e aspectos únicos descritos no texto.

Para o teatro seminário, o grupo resolveu transpor a ideia de Benjamin para a cidade de São Paulo. Utilizando a música “Augusta, Angélica, Consolação”, de Tom Zé, quis retratar a metrópole tão amada e odiada pelos paulistanos. Além de descrever a cidade, consegue encontrar nesta a poesia, nos trechos como “Eu fui morar na Estação da Luz, porque estava tudo escuro dentro do meu coração”.

Contudo, só a música não parecia suficiente para o teatro seminário. Copiou-se então o videoclipe de Bob Dylan “Subterranean Homesick Blues”, no qual o artista mostra cartazes com palavras da música. O recurso foi transposto para a classe com a apresentação de palavras da letra da música de Tom Zé enquanto esta tocava.

Em um primeiro momento, os cartazes do grupo traziam palavras da letra de “Augusta, Angélica e Consolação”: mão, saudade, dinheiro, bobagens e maldade, por exemplo. Em seguida, porém, foram inseridas palavras que permeiam a vida do paulistano como trânsito, poluição, violência, asfalto, medo, cinema, ônibus etc.

Através deste recurso, o grupo pensou uma forma de representar a vida de quem vive na cidade, ao mesmo tempo tão dura e permeada de dificuldades, acompanhada pela poesia da canção de Tom Zé. No que concerne a linguagem utilizada, os cartazes constituem fragmentos de um todo, já que a canção é também uma visão sobre a cidade de São Paulo. Enfim, o grupo quis ressaltar a poesia encontrada, apesar de tudo, nesta vida, sempre em tom de crítica e contestação suscitadas pelos textos de Walter Benjamin.

3 pra 1

2011-06-30T23:28:00.003-03:00

Três personagens em cena. Cada um empreende uma ação diferente: um, de olhos vendados, anda para trás traçando um caminho irregular, uma linha não linear e óbvia; agacha, sobe na mesa, debruça-se, percorre todo o cenário em marcha ré até sumir do palco; outro, com um pano na cabeça, acende velas e, como em um ritual, murmura preces aos mortos; o terceiro, contorce-se e treme, sem sair do lugar, parece agonizar, lutando contra uma ameaça que parece inevitável.

Análise

Nesse dia, o grupo optou por um método diferente para compor a cena. Após uma discussão sobre as ideias presentes nas teses, decidiu-se que cada um montaria uma cena independente, sem avisar ou conversar com outro, tendo como perspectiva formar um pequeno mosaico das impressões do texto de Benjamin, composto por diferentes e minúsculos fragmentos, mas que no seu conjunto dialogariam, teriam uma força comum. Nem que só por um momento, em um lampejo.

O personagem que anda para trás contrapõe-se ao senso comum da história linear, progressiva, de uma evolução constante e inevitável das sociedades humanas. Benjamin questiona todas essas ideias. Uma história que sempre avança, que evolui, um progresso já estruturado que cabe à humanidade seguir. O personagem desempenha a atitude que Benjamin acredita que devamos ter: questionar essa evolução natural dos homens e da sua história e de “escovar a história a contrapelo”. É preciso questionar a historiografia linear e conformista, pois ela se alia a marcha triunfal daqueles que não pararam de vencer, aqueles que acreditam que progresso e barbárie são diametralmente opostos. Para Benjamin, a história deve seguir a tradição dos oprimidos, ouvir e lembrar daqueles que foram derrotados, esquecidos. Fazer uma ruptura, quebrar essa linha sempre reta e ascendente. Como faz o homem vendado que anda traçando um outro caminho.

Lembrar dos oprimidos, dos dominados, das vítimas da barbárie, que sim, está ligada ao progresso em sua marcha. Rememorar. É isso que faz o segundo personagem quando fala com seus mortos, dando voz a eles e trazendo-os para o tempo presente. Faz com que não se percam no passado, que sua existência e luta não sejam perdidas. Em um ritual que também foge às práticas dominantes, já que atualmente não se tem mais tempo para parar e lembrar; parar e contar uma história, repassar uma experiência, fazer trocas oralmente. O ritual de rememoração dá um outro sentido para aqueles que não estão mais aqui, dá-lhes um novo significado recolocando-os em uma nova situação, mostrando que: não podemos prescindir do passado para construir o presente, e que só haverá salvação, inclusive para história, quando todas as vitimas forem lembradas.

E como síntese desses dois movimentos (questionar a linearidade e progresso da história e rememoração dos oprimidos e mortos do passado) temos o terceiro personagem que está lá tanto para lembrar dos que já foram, lutando contra a opressão e o esquecimento, quanto para avisar aos presentes, que novas barbáries e destruições estão por vir. É preciso intervir, é preciso impedir essa marcha, conjuntamente, todos os oprimidos, os de hoje e ontem.

O círculo sobre o círculo de giz caucasiano

2011-06-30T11:38:00.000-03:00

Grupo:

Felipe Salvador, Fernanda Becker, Fernanda Ticianelli, Leôncio Junior, Lize Marchini, Marcelo Campos, Thais Bessa

Texto-referência:

BRECHT, Bertolt. O circúlo de giz caucasiano. In: Brecht, B. Teatro completo 9. Rio de Janeiro: Paz e Terra, 1992, pp 179-296

Descrição da cena e reflexão sobre TS proposto:

A cena se inicia com o grupo se organizando em uma espécie de circulo descompromissado com sua precisão. Sentam-se os componentes do grupo nas cadeiras então dispostas, e iniciam um debate cujo tema é o que será feito para a apresentação do TS da aula em questão. A discussão busca reproduzir aquela que ocorreu pouco antes de iniciarem-se as apresentações dos TSs.

A principal proposta levantada (e reproduzida na cena), foi a de elaborar uma comparação entre o juiz Azdak que ao final da peça de Brecht deve escolher com qual das duas mulheres que se auto-atribuem o papel de mãe da criança a acriança ficará, com a conhecida história do Rei Salomão, que usa da mesma estratégia para resolver questão semelhante. A questão a ser trazida com tal comparação é justamente o diferente papel que os dois personagens, (o juiz Azdak e o Rei Salomão) desempenham na história, que seja, enquanto o juiz é uma figura pouco comprometida com a justeza de suas ações e afeito ao uso abusivo do álcool, o Rei Salomão é apresentado como homem sábio, responsável e ponderado em relação à justiça que se propõe a fazer. Entretanto, ambos tomam a mesma “sábia” decisão, na ocasião de decidir quem é a verdadeira mãe de uma criança reivindicada por duas mulheres. Uma das discussões que o grupo quis trazer era justamente esse questionamento trazido por Brecht, que coloca em xeque as noções de justiça, de sabedoria e de direitos. Também tentamos trazer para a discussão do TS alguma possibilidade de atualização da cena de Brecht.

Quando o mesmo juiz bêbado, que toma uma decisão bastante parecida com uma decisão bíblica do sábio Rei Salomão, julga um caso de abuso sexual e culpa a vítima, em razão de suas roupas e curvas, isso nos remeteu a uma atual polêmica sobre um rapaz que conta piadas num palco e fez uma piada com o estupro. Aludindo ao fato de só mulheres feias serem estupradas, e dizendo que os estupradores deveriam ganhar um abraço, muito parecido com o que está colocado na peça de Brecht, quando o agente do abuso ganha uma bonificação.

O grupo, porém, não conseguiu entrar em consenso a respeito de como seria representada tal comparação sem que soasse didática e óbvia, postura da qual parte do grupo partilhava. Neste momento surge a idéia de trazer para o palco a própria discussão que estávamos tendo, pertinente inclusive com o texto em questão, que narra uma situação em que uma peça é encenada sendo, portanto, uma peça dentro de outra peça.

Muitas vezes a própria discussão para a formulação do que será apresentado é tão rica quanto a própria apresentação( ou até mais), e nesse caso, o grupo concordou que havia espaço para a realização de um meta-TS. Com a proposta de quebrar com a estrutura da aula, separada convencionalmente em dois momentos, quebrando ao mesmo tempo com os papéis de público e “atores” de cada TS. Todos os que assistiam ao TS haviam passado pelo mesmo momento de debate e construção do que seria apresentado, e possivelmente pelos mesmos dilemas ao ter que escolher o que e como retratar os diversos aspectos dos textos propostos para os TSs em geral.

"Caldeirão da USP"

2011-06-29T19:56:00.002-03:00

TS9 - noturno

Texto-referência:

BRECHT, Bertolt. O circúlo de giz caucasiano. In: Brecht, B. Teatro completo 9.

Rio de Janeiro: Paz e Terra, 1992, pp 179-296

Integrantes:

Andre Castilho Pinto, Camila Gui Rosatti, Camila Moraes, Fernanda Tavares, Jorge, Juliana Antunes, Rosemeire Almeida

Descrição do Teatro-Seminário:

A cena é uma paródia de um programa de auditório, intitulada: “Caldeirão da USP”

Personagens:

- Diretora

- Apresentador

- Contrarregra/Moça das placas

- “Lombardi”

- Assistente de Palco

- Convidado/Juiz

- Pessoas da Plateia

Tudo começa com a Diretora dando ordens e orientando o público sobre como se comportar no programa de televisão. Então, com as ordens da diretora o programa tem início. O Apresentador, com todos os clichês desse tipo de programa, apresenta o “game” da noite: o “Círculo de Giz Uspiano”. Pessoas da platéia, aos pares, serão convocadas para “disputar” objetos no centro do círculo de giz (exatamente como na peça de Brecht). Porém, esses objetos representarão idéias abstratas. São os seguintes:

Uma bíblia representando a “Fé Universal”

Uma flor representando o “Amor”

Uma nota de cinqüenta reais (falsa) representando o “Poder”

E uma folha escrita “Vale nota 10” representando o “Saber”

O Convidado para ser o Juiz foi o professor, pois assim como na peça, não é simplesmente quem consegue puxar o objeto do adversário que o conquista, a ação deve ser julgada, pois muitas vezes aquele que abdica é o verdadeiro merecedor. E justamente, durante o desenrolar da cena, os participantes tiveram atitudes variadas, ora disputando com afinco o objeto ora abdicando, e o professor/juiz, de acordo com quem parecesse merecer mais o prêmio, procedeu aos “julgamentos”, inclusive dividindo o “vale nota 10” ao meio para os dois participantes que o disputaram.

Interpretação: Relação entre a cena e a peça de Brecht

Fizemos uma releitura do momento clímax da peça de Brecht, quando Grusche, a empregada, disputa Miguel com sua mãe natural Natella Abaschvíli, mulher do falecido governador, em frente ao juiz Azdak, por meio do famigerado círculo de giz.

Ao transferir o julgamento para um show de televisão, procuramos ressaltar o quanto a atividade jurídica tem de representação e espetáculo, até porque a maioria desses shows, como muitos julgamentos, funciona como um jogo de cartas marcadas espetacularizado e promovem uma simplificação grosseira de pessoas e sentimentos. Também colocamos em disputa coisas abstratas e essenciais: a Fé, o Amor, o Poder, o Saber, servindo de contraste para o suporte artificial e grotesco da encenação.

Da mesma forma, na peça de Brecht, o que estava em jogo era algo essencial: a vida de uma criança, disputada de uma forma absurda por um juiz caótico, mas contraditoriamente com um alto senso de justiça. O amor desinteressado de Grusche vence a ambição da mãe natural que estava mais interessada na herança do filho.

Por meio da paródia do programa de televisão acreditamos que foi possível causar o efeito de estranhamento e de afastamento do teatro narrativo, capaz de fazer o público refletir sobre a validade da disputa em relação aos valores disputados. E essas reflexões realmente surgiram no debate posterior à encenação. Pois de fato, diariamente, vidas são expostas e julgadas pelas várias formas da mídia, mas sem nenhum Azdak para lhes redimir.

O assistir televisão

2011-06-28T23:59:00.001-03:00

Ao fundo, vemos a vista de um morro qualquer do Rio de Janeiro: avista-se outros morros, a praia, o sol. No primeiro plano, dois jovens conversam sobre banalidades: discutem sobre futebol, se irão ao jogo dessa semana, da próxima festa... Nesse momento, aproximam-se dois policiais e sem nada perguntar, rendem os dois jovens e os executam.

Próximo ato: a paisagem ao fundo é emoldurada por uma televisão, aquilo que antes era visto agora passa a ser mediado e observado através da tela do aparelho. Há um deslocamento: a platéia que antes via o morro diretamente, agora o vê a partir da televisão, junto com um casal que assiste ao noticiário. Na TV, surge um policial dando uma entrevista para a repórter narrando o ocorrido. Ele afirma que o que se passou foi uma ação policial de patrulha no morro, uma ação planejada, na qual dois suspeitos que reagiram foram mortos. O casal que assiste às notícias comenta o que vê lamentando a violência que atinge o Rio de Janeiro. Tinham planos de passar férias lá, talvez tenham que adiar, devido ao grau de criminalidade. Concordam, porém, que as mortes são algo necessário, afinal “o Rio é uma cidade linda que tem que ser salva”. Depois, conversam sobre banalidades: discutem sobre futebol, o jogo dessa semana...

Análise

O trecho do texto que nos serviu de base para a construção da cena foi: “Segundo o provérbio, cada povo ama sua própria forma de violência. A briga de galos é a reflexão balinesa sobre essa violência deles” (p.317). Tomando essa passagem como premissa e ponto de partida, nos perguntamos onde a reflexão da sociedade brasileira sobre a violência acontece? Concordando que cada povo tem uma forma de violência própria que gera sobre ele fascinação, qual é esse lugar na nossa cultura?

A briga de galos em Bali toma proporções de espetáculo, adquire um brilho que lhe difere dos demais acontecimentos, é um evento que distoa das práticas cotidianas das pessoas comuns: “o que coloca a briga de galos à parte no curso ordinário da vida, que a ergue do reino dos assuntos práticos cotidianos e a cerca com uma aura de importância maior é [...] o fato de ela fornecer um comentário metassocial [...]. É uma leitura balinesa da experiência balinesa, uma estória sobre eles que eles contam a si mesmos.” (p.315,316) Um povo que normalmente não é violento ou agressivo tolera e sacraliza um ritual onde raiva, sangue e morte compõem a dinâmica e prática do processo. A briga de galos balinesa “reúne todos os temas – selvageria animal, narcisismo machista, participação no jogo, rivalidade de status, excitação de massa, sacrifício sangrento – cuja ligação principal é o envolvimento deles com o ódio e o receio desse ódio” (p.317).

Analisando esses trechos e projetando-os sobre o Brasil, constatamos que o lugar, por excelência, onde a violência aparece, sob uma forma espetucalrizada, fetichizada e socialmente aceita é na televisão. As cenas, acontecimentos que lá são veiculados são tolerados e creditados. Há um ritual que envolve o assistir televisão que pressupõe uma série de acordos e determinações implícitas para aqueles que compartilham esse momento; por mais que o que esteja sendo dito lá não corresponda necessariamente com os acontecimentos reais do fatos. A televisão se torna o veículo de imagens e histórias revestidas de certa superioridade e mística em relação aos fatos que vivenciamos no dia-a-dia. A violência aparece na forma de espetáculo e por isso é admitida, até aprovada, quase sacralizada. Não mostra a realidade, a TV faz a sua leitura dela a partir de uma perspectiva que é passada para milhões de pessoas que vêem essas cenas aceitando-as como particular. Podem até saber que o que ela mostra não é o que ocorre literalmente, é uma versão, um conto, um teatro. E por isso mesmo as aceitamos, decidimos participar, consentimos com o espetáculo. São leituras brasileiras das experiências brasileiras, estórias nossas que contamos a nós mesmos.

2011-06-28T14:50:00.001-03:00

As babás de Puntila
Grupo Potlachn e Grupo Antes tarde do que nunca

Pensando na relação senhor-criado, representado com crítica e humor na obra de Brecht Sr. Puntila e seu Criado Matti, o grupo Potlach construiu a narrativa de sua apresentação, baseada em elementos da realidade brasileira atual. Duas famílias burguesas brasileiras vão passar férias na Costa do Sauípe e levam consigo as babás dos filhos. Duas histórias acontecem em paralelo – os pais, que conversam de suas vidas luxuosas, de seus investimentos e de suas preocupações, e as babás, brincando e cuidando das crianças. Em determinado momento chega uma fotógrafa, os pais chamam as crianças para fazer uma foto em família.

A relação do senhor Puntila com seu criado Matti é dupla – nos momentos de embriaguez é dócil, compreensivo e frágil, nos momentos de sobriedade é dura e ríspida. Por um lado, Puntila é absolutamente irresponsável e dependente de seu criado, por outro é ríspido e arrogante, mantendo a distância entre as classes. Dessas duas imagens podemos tirar questões para se pensar tais relações na nossa realidade. Em nossa apresentação elegemos a figura da babá para materializar esses elementos. A relação da criança com a babá, embora seja uma relação senhor-criado, é uma relação mais afetiva e de dependência. A relação da babá com os pais é, por sua vez, ríspida e impessoal.

Podemos fazer um paralelo dessas duas imagens com dois momentos da história do senhor e do escravo, contada por Hegel na Fenomenologia do Espírito. Dois homens entraram em combate. Um deles, por sua força e coragem, venceu a luta e, ao invés de sacrificar seu oponente, resolveu poupá-lo e fazê-lo de si escravo. A partir de então o senhor já não fazia nada. O senhor não cultiva seu jardim, não faz cozer seus alimentos, não acende seu fogo: ele tem o escravo para isso. A relação de dependência do senhor para com seu escravo era tão grande que o escravo liberta-se pelo conhecimento. O aprendizado da privação e do seu trabalho no mundo o faz livre.

A figura da babá leva ao limite essa relação de dependência do senhor ao seu criado. A mãe, que contratou a babá, já pouco pode fazer. Sua criança vai pegando os sotaques, trejeitos e manias da babá, que passa a maior parte do tempo com os filhos, enquanto a mãe trabalha. Na babá encontramos diversos elementos presentes na relação do Senhor Puntila Com Matti, por isso a elegemos como figura central de nossa narrativa.

2011-06-28T14:04:00.003-03:00

Alunos: Emerson Rios Viana, Marcus Vinicius Santos, Beatriz Bonaldi, Letícia Neumann, Manuella Alves, Priscilla Cardoso, Maria Fernanda Sampaio, Camila Rillo.

TS5 - BENJAMIN, Walter. Rua de mão única. In: BENJAMIN, W. Obras

escolhidas II: rua de mão única. São Paulo: Brasiliense, 1993, p. 9-70.

Cena: Fragmentos

Cenário: 4 cadeiras, Lousa.

Personagens: 5

Descrição e comentário da cena:

Quatro pessoas na frente da classe lêem em voz alta, de forma desordenada e simultânea, diversas palavras e pequenas expressões retiradas de ''Rua de mão única''. Em seguida lêem as mesmas palavras, agora uma por uma, alternadamente. Então cada um dos quatro lê uma frase completa, retirada do texto, da qual se retirou uma ou mais palavras anteriormente ditas. Os quatro se levantam, saem do palco onde fica a lousa e sentam-se nas carteiras com os demais estudantes.

Uma outra personagem se levanta, sobe ao palco e escreve silenciosamente a seguinte frase: " A história não deixa margem para possíveis histórias. Os cadáveres já estão enterrados sob as pedras, assim como os sonhos.Lá jazem também sua pobreza e suas manhãs."

O principal intuito da cena foi abordar o aspecto fragmentário do texto de Benjamin. O foco da cena foi o processo de leitura do livro e suas impressões para cada um do grupo. A idéia foi ''manipular'' os fragmentos de várias maneiras: Partimos das palavras e pequenas expressões que cada um dos integrantes, em sua leitura, julgou serem emblemáticas, como por exemplo: possíveis histórias, caderno de notas, pobreza não é desordem, cadáver, pedras, manhã, história, etc.A partir daí, dizê-las aleatoriamente, em voz alta e de maneira caótica teve como intenção criar uma analogia com os percursos de leitura de Rua de Mão Única. Nessa leitura, as palavras – que vão aparecendo dentro de fragmentos curtos e altamente condensados – podem ser também pensadas como fragmentos que vão saltando à vista, e cada percurso de leitura reterá diferentes palavras-fragmentos carregadas de mais ou menos sentido para quem as lê.

Em seguida, à medida em que as palavras vão sendo ditas sucessivamente, e não mais simultâneamente, adquirem sentidos mais nítidos, em uma analogia com a organização e à significação que paulatinamente vai se dando à leitura.

A seguir, passa-se a manipular determinadas frases emblemáticas de alguns fragmentos – segundo as leituras pessoais - também pensadas como fragmentos em si, como por exemplo: Não deixe nenhum pensamento passar incógnito e mantenha seu caderno de notas tão rigorosamente quanto a autoridade constituída mantém o registro de estrangeiros. (pág. 31). Experimentando assim os elementos que para cada leitor pareceram relevantes em diversos percursos que a leitura de ''Rua de mão única'' permite. Além disso, é possível pensar que as diferentes interconexões entre esses elementos produzem significados diversos, para além do texto.

Quando a 5a personagem entra em cena e silenciosamente escreve a frase citada na lousa, quis-se brincar com a antítese de tudo que se propôs até então. Em tom professoral, usando-se da escrita e não da fluidez da oralidade, a personagem escreve – usando as mesmas palavras-fragmentos usadas anteriormente – uma frase categórica e de conteúdo conservador. Ao invés de suscitar diversas interpretações possíveis do texto , e propondo uma analogia com as interpretações da história, os fragmentos são usados para consolidar uma posição unívoca dos fatos: ''A história não deixa margem para possíveis histórias''.

Onde està a loucura?

2011-06-27T16:16:00.004-03:00

TS 8 – noturno - “Sr Puntilla”

Grupo do Riso: integrantes

Andre Castilho Pinto, Camila Gui Rosatti, Camila Moraes, Fernanda Tavares, Jorge, Juliana Antunes,Rosemeire Almeida

Texto de referência:

BRECHT, B. O Sr. Puntila e seu criado Matti. In: Teatro completo 6. Rio de Janeiro: Paz e Terra, 1991, p. 171 - 266

Descrição do Teatro-Seminário:

Duas pessoas, em frente à sala, lêem ou interpretam, respectivamente, trechos do discurso de Benjamim Franklin “Tempo é dinheiro” e o poema de Carlos Drummond de Andrade “Disquisição da Loucura”. Revezando trechos dos textos, a pessoa que interpreta Drummond tem uma postura corporal despachada e lânguida, brinca com as palavras, gesticula, ri. A pessoa que lê Benjamin Franklin tem uma postura corporal séria e impositiva, como num discurso político ou religioso. Enquanto essa cena é interpretada, três outras pessoas circulam entre os espectadores, interagindo com eles da seguinte maneira: quando é lido o discurso, cumprimentam as pessoas formalmente; quando o poema é recitado, abraçam-nas afetuosamente. A cena acaba com o final da leitura dos textos.

Trechos Lidos:

D. Quixote de Portinari

XI - Disquisição da Loucura

"Que é loucura: ser cavaleiro andante ou segui-lo como escudeiro?
De nós dois, quem o louco verdadeiro?
O que, acordado, sonha doidamente?
O que, mesmo vendado,
vê o real e segue o sonho
de um doido pelas bruxas embruxado?
Eis-me, talvez, o único maluco,
e me sabendo tal, sem grão de siso,
sou — que doideira — um louco de juízo."

Carlos Drummond de Andrade

“Lembra-te que tempo é dinheiro; aquele que com seu trabalho pode ganhar dez xelins ao dia e vagabundeia metade do dia, ou fica deitado em seu quarto, não deve, mesmo que gaste apenas seis pence para se divertir, contabilizar só essa despesa; na verdade gastou, ou melhor, jogou fora, cinco xelins a mais.

Lembra-te que crédito é dinheiro. Se alguém me deixa ficar com seu dinheiro depois da data do vencimento, está me entregando os juros ou tudo quanto nesse intervalo de tempo ele tiver rendido para mim. Isso atinge uma soma considerável se a pessoa tem bom crédito e dele faz bom uso.

Lembra-te que o dinheiro é procriador por natureza e fértil. O dinheiro pode gerar dinheiro, e seus rebentos podem gerar ainda mais, e assim por diante. Cinco xelins investidos são seis, reinvestidos são sete xelins e três pence, e assim por diante, até se tornarem cem libras esterlinas. Quanto mais dinheiro houver, mais produzirá ao ser investido, de sorte que os lucros crescem cada vez mais rápido. Quem estraga uma moeda de cinco xelins,assassina (!) tudo o que com ela poderia ser produzido: pilhas inteiras de libras esterlinas.

Lembra-te que – como diz o ditado – um bom pagador é senhor da bolsa alheia. Quem é conhecido por pagar pontualmente na data combinada pode a qualquer momento pedir emprestado todo o dinheiro que seus amigos não gastam.

Benjamin Franklin

Interpretação: Relação entre a cena e a peça de Brecht

Buscamos, através da cena, estabelecer uma dualidade semelhante a que é expressa pelo personagem Puntila. Quando sóbrio é o respeitável latifundiário e senhor de negócios; embriagado, é espontâneo, excêntrico e alegre, “quase um homem” na expressão de Matti. Quando sóbrio, reveste-se dos padrões de status e observa as normas sociais com afinco, a ponto de arranjar um casamento para a filha de acordo com essas normas; Quando embriagado, propõe casamento a todas as moças da vila, mostrando assim que as convenções sociais não devem submeter a liberdade e o desejo de vivenciar experiências reais.

Na cena, as convenções e normas foram representadas pelo texto de B. Franklin, bem como a postura séria do leitor e os cumprimentos formais à plateia; já a liberdade e a espontaneidade foram representadas pela interpretação do poema de Drummond, a interpretação expressiva da leitora e os abraços afetuosos em pessoas da plateia.

Procuramos, dessa forma, enriquecer o jogo de dualidades presentes na peça: convenções/liberdade; seriedade/loucura; estrutura/communitas; que em Brecht encontra sua expressão no jogo complexo entre sobriedade/embriaguês, e que buscamos expressar sob o signo da prosa/poesia e da formalidade/informalidade, até porque também entendemos que esses mecanismos duais também estão muito presentes no nosso caráter e no nossoethos contemporâneo.

Porém, também tentamos mostrar que a dualidade não se dá num esquema simples e maniqueísta de claro/escuro, e os comentários feitos por colegas e professor na sala de aula foram também nesse sentido.

Há momentos de iluminação na loucura, e o próprio poema de Drummond mostra isso com a expressão “louco de juízo”, nesse poema que também reflete sobre um dos mais famosos e luminosos loucos da literatura universal: D. Quixote. E também há flashes de nonsense e absurdo nos momentos de maior sisudez, como no seguinte trecho do famoso discurso do Tempo é Dinheiro: “Quem estraga uma moeda de cinco xelins, assassina (!) tudo o que com ela poderia ser produzido”. Ora, como considerar a seriedade de uma expressão fatalista como essa?

Também a peça de Brecht mostra isso de maneira reveladora, principalmente quando o Puntila embriagado age e fala como alguém que tem paixão pela vida e valoriza as pessoas pelos que elas são e não pelo que representam socialmente.

Enfim as manifestações da embriaguez e da loucura, se olhados com atenção, podem revelar o que a estrutura social se esforça por disfarçar e esconder: em primeiro lugar, que o mundo é muito mais complexo do que nos disseram, e em segundo lugar, que o olhar convencional não é capaz de mostrar todo horror e beleza que o mundo de fato possui.

2011-06-27T13:58:00.000-03:00

A disseminação de espaços pelos quais a população encontra-se a salvo de intempéries, e ainda ligam pontos estratégicos. Novas alternativas de vestimenta são possíveis; costumes interagem bem com os artefatos arquitetônicos, são absorvidos por eles, que passam a dispor de luz própria, de lojas, emulando a cidade em que se encontram encravados. As laterais das passagens se tornam objeto de atração, atraindo cada vez mais o indivíduo, que deixa de simplesmente passar e começa a permanecer no espaço, observando, lendo, sempre consumindo.

O contexto histórico envolve o retorno da França à dinastia Bourbon, forma como foi registrada na História a ascensão do conservadorismo. Deste período datam as passagens, ruas compostas por lojas e livres de trânsito, onde, com o consentimento dos comerciantes e da polícia (aqui se igualam em poder de decisão), uma pessoa pode encontrar acomodação noturna sem ser incomodado. Nestes “templos do capital mercantil”, as grandes lojas passam a ser desenvolvidas para atrair e reter o consumidor no local, levando-o ao consumo em massa – consolidação do sacrifício da arquitetura r

Envoltos nesse clima de subversão do espaço público e de supremacia do comércio e do conservadorismo, parceiros de primeira hora, apresentamos dois personagens manuseados através das passagens como audiência das vitrines, estrelas principais do lugar. O paradoxo se constrói quando sentam para tomar café e conversar: uma convulsão social divide com eles a cena, em que começa a ser erguida uma barricada. Ao contrário da passagem, a barricada era um artificio característico da rebeldia que menos era útil como arma do que como obstáculo à passagem da polícia. Na nossa cena, a barragem é combatida com o incremento do uso da força e, simultaneamente a abertura de novas passagens, com a expropriação da população local, que gerou riquezas para funcionários do governo, advogados, entre outros, além de dificultar manifestações de desapreço por parte do povo em relação ao governo, como as próprias barricadas, por exemplo.

O ator que representava o lado vencedor do conflito termina por manipular novos consumidores ingerindo café, lendo jornais, dóceis. Em um período em que Napoleão III tomava a França para si, não poderíamos ter um final diferente.

TS 8: a questão da sobriedade: a dialética da embriaguez

2011-06-24T21:08:00.002-03:00

TS
8: a questão da sobriedade: a dialética da embriaguez

Os
liminares: Nathalie, Karina, Juliana, Ligia, Herber, Clayton

Nossa
apresentação consistiu no estabelecimento de um paralelo entre a
errância biográfica de Brecht e a dupla personalidade de seu
personagem o Sr. Puntila. Intercalamos fatos da vida do autor com
cenas de sua peça, Sr.
Puntila e seu criado Matti
a fim de tornar evidente o diálogo entre as circunstâncias da vida
e da obra do autor.

Brecht
foi marxista convicto, mas nunca se filiou ao partido comunista.
Durante a expansão nazista, procurou refúgio em vários países da
Europa, mas fixou-se, em 1941, nos EUA, país símbolo do
capitalismo. Retornando do exílio, procurou fazer o máximo pela
construção da Alemanha Oriental, mas confiou os direitos de
publicação dos seus livros a um editor da Alemanha Ocidental. Foi
um vândalo literário, nenhuma grande obra escapou de sua crítica,
mas foi grandemente impressionado pela Bíblia.

Sr.
Puntila é um grande beberrão, quando está sóbrio é um,
embriagado, outro. A primeira cena que apresentamos mostra a
estupidez inicial com que Sr. Puntila trata seu criado, afirmando que
este não é um homem. Mas após tomar uns tragos ele chama o criado
para sentar-se junto a ele, para que bebam juntos e conheçam melhor.
A segunda cena trata de uma crise de consciência de Sr. Puntila que
passa a afirmar de modo espalhafatoso que nunca mais irá beber,
ordenando que tragam todas as suas garrafas de álcool para então
destruí-las, xingando o criado de parasita. No entanto, Sr. Puntila
volta atrás na decisão e começa a beber, faz as pazes com seu
criado abraçando-o e convidando-o para um passeio.

Procuramos
através da contraposição entre os momentos de lucidez e de
embriaguez de Sr. Puntila, atestar sua dupla personalidade e
colocá-la em paralelo com as contradições da vida de Brecht.

Finalizamos
a apresentação com um poema da Baudelaire, Embriagai-vos,
a fim de lançar outra perspectiva (talvez um pouco mais positiva)
sobre a paradoxal relação entre lucidez e embriaguez, momentos que
juntos permitem um deslocamento das concepções de racionalidade e
irracionalidade, loucura e normalidade.

Tendo-se
em vista a personalidade muitas vezes contraditória do Sr.
Puntila,
seria interessante fazer uma contraposição, colocar frente a

frente, Brecht e a psicologia, para que assim pudéssemos
entender
melhor os conflitos por que passa nosso personagem.

A partir da perspectiva do fundador da Psicologia Analítica Carl

Gustav Jung, podemos encontrar uma chave para entender os
mecanismos
responsáveis por atitudes vistas como totalmente
opostas e
polarizadas, como é o caso de nosso personagem. Para
entender tal
processo podemos considerar os conceitos de persona
e sombra. Os
conteúdos da persona são formados a partir do que
é socialmente aceito
e esperado de cada pessoa. Desde a infância
a persona se desenvolve a
partir da necessidade de adaptação
aos pais, amigos, professores e
outros grupos sociais. Durante
esse processo de socialização, aparecem
alguns comportamentos,
anseios, sentimentos e idéias que são
indesejadas ao contexto
social do indivíduo e por isso, esses
conteúdos são reprimidos
e farão parte da sombra.

Dessa
forma, as crenças e
os valores são incorporados na persona
enquanto os conteúdos
antagônicos são reprimidos nas sombras
do inconsciente. A partir dos
conceitos Junguianos citados,
podemos entender os comportamentos
aparentemente contraditórios,
pois os indivíduos possuem persona e
sombra que suportam
conteúdos que influem diretamente nas ações e
pensamentos de
cada um. Bem, este seria o diagnóstico dado ao Sr.
Puntila por
um analista Junguiano.

Muito
diferente disto, Brecht busca uma crítica que extravase o nível do
indivíduo. Como bom marxista, neste texto nosso autor
buscou
expor personagens que na verdade serviriam como representantes
de
classes sociais. Assim, o Sr. Puntila seria o rico burguês que se

sente na total liberdade de tratar como bem entendesse os membros
de
classes sociais inferiores, sendo bom, em seus momentos de
amabilidade,
sendo mau, em seus momentos de fúria. Já seu
criado Matti, como bom
representante das classes não abastadas,
deveria suportar todo tipo de
auguras, pois não existem espaço
nem liberdade para que ele se
expresse com sinceridade.

Referências:
ZACHARIAS,
J. J. M. Ori Axé A dimensão arquetípica dos orixás. São
Paulo:
Vetor, 1998.
BRECHT, Bertolt. Puntila e seu criado Matti. In:
Teatro completo 8. Rio de Janeiro: Paz e Terra, 1991.

Aos perigos da vida

2011-06-24T20:12:00.003-03:00

Teatro-Seminário 7 - Bertolt Brecht, Mãe Coragem e seus filhos

Descrição: A cena se divide em dois planos. No primeiro, mais próximo à platéia, uma mulher prevê o futuro de outra à sua frente, ambas estão sentadas e de lado em relação ao público. O futuro é determinado pela sorte tirada em um dos papéis, sempre existem duas opções. Abaixo, possibilidades presentes na cena:

CORAGEM MÃE
TEMPOS DE PAZ TEMPOS DE GUERRA
SOBREVIVÊNCIA FRAQUEZA
VIDA DINHEIRO
FILHOS FILHOS DOS OUTROS
INSTABILIDADE ESTABILIDADE
SEGURANÇA EXÉRCITO
NAÇÃO INDIVÍDUO
SILÊNCIO TIROS
CULPADO CULPA
MUDA MORTA

Ao fundo (na lousa), um homem desenha uma espécie de linha do tempo da mulher que tem sua vida em jogo. Mas ao contrário do que o jogo supostamente determina, aparecem tanto palavras que foram sorteadas quanto outras que não foram.

Reflexões: A cena foi idealizada a partir de uma ação presente na peça “Mãe Coragem e seus filhos” que aparece logo no início do texto, quando a Mãe ao encontrar militares que queriam levar seus filhos para a guerra resolve “tirar o destino” do general, mostrando que a guerra não faria bem a ele. O jogo se resume em sortear um papel, sendo que as opções são um papel em branco e outro com uma cruz preta, indicando morte.

O papel sorteado pelo militar apresenta a cruz preta. Ela decide fazer o mesmo com seus filhos (inclusive de sua filha surda), também para alertá-los sobre os perigos da guerra. Como se não nos parecesse óbvio, o destino de todos é a morte.

Percebemos que assim como as personagens aparecem de maneira complexa, nós também o somos, pois os conceitos que a priori são considerados opostos aparecem em nossas vidas de maneira complementar e concomitante. Até que ponto nossa vida é determinada por escolhas? Nossas vidas fazem parte de uma história construída. E em alguns momentos da peça, aparece uma discussão bastante interessante sobre um olhar determinista da história.

De certo modo, mãe coragem tenta escapar do destino que lhe é posto. Ela é uma mulher que negocia, inclusive em todas as situações que seus filhos morrem, ela está vendendo ou comprando algo. Não seria essa uma tentativa de negociar o futuro de seus filhos?

Na perspectiva do jogo ainda, vale pensar como o destino das personagens poderia mudar a partir de outra carta sorteada, entendendo aqui esta carta como uma ação. Será que ela não teria evitado a morte de seu segundo filho, caso aceitasse os valores oferecidos logo na primeira negociação?

Considerando que façamos parte de uma história construída, com uma vida que não é natural, onde fica o grau de indeterminação que nos garante continuar vivendo? Um caminho é pensar nas pequenas ações/cenas cotidianas, com as quais Brecht trabalha de maneira recorrente em suas peças.

2011-06-22T19:08:00.000-03:00

Grupo Benjamin, Brecht & convidados

TS6

Integrantes: Aline Janaina Pereira Miquelim, Daniel Angyalossy Alfonso, Gustavo Henrique Soares Denani, Jodes Antonio Moreira Filho, Laura Rezende Fuser, Priscilla Sbarra

Cena: cotidiano parisiense.
Objetivo: capturar cenas corriqueiras, buscando o indivíduo no meio da confusão da sociedade atual (com alguns toques antigos).
Personagens: um jornaleiro, uma pessoa ouvindo música, uma falando no celular, outra lendo; um desses personagens excluído de toda essa cena (confusão).
Com o jornaleiro pretendíamos marcar o ritmo da cena, pois ele a todo momento estaria lendo as noticias em voz alta, como antigamente. Essa personagem, na verdade representa um pouco de todas as outras, pois é a única que consegue interagir com os outros (quando alguém lhe pergunta uma informação, ou se aproxima para comprar o jornal...). Nenhum dos outros personagens se relaciona, passam uns pelos outros sem se perceberem, como acontece nas rotinas das grandes cidades (construção do moderno). A pessoa excluída se preserva na cena, pois ao mesmo tempo que está perdida em meio àquela confusão, ela vive seu mundo, ora se questionando, ora se indignando ou talvez tentando fazer parte daquele todo ao qual ela não pertence. No final da cena, cada um se distancia, com o intuito de focar a individualidade do ser humano e vai fazer a atividade que lhe cabe. Só fica em cena a personagem excluída.
O texto e a cena tentam representar a fragmentação das relações, ao mesmo tempo em que representa o sujeito atropelado pela história. A passagem da cena poderia ser o Boulevard na França, com suas personagens apressadas, que representa as relações impessoais, ao mesmo tempo em que revela uma Paris antiga, com laços de relações pessoais (o jornaleiro). E então fica a pergunta: A modernização se revela para poucos? O que aconteceria se houvesse uma resistência das pessoas ante as inovações?

2011-06-22T19:06:00.000-03:00

Grupo Benjamin, Brecht & convidados - 6º grupo do dia 02/05

TS4

Integrantes: Aline Janaina Pereira Miquelim, Daniel Angyalossy Alfonso, Gustavo Henrique Soares Denani, Jodes Antonio Moreira Filho, Laura Rezende Fuser, Priscilla Sbarra

Cena
O primeiro personagem se posiciona no meio do tablado, sentando em uma cadeira e escrevendo algo num papel. O segundo começa a cena andando em círculos ao redor do primeiro, mantendo distância. Conforme seu movimento evolui, ele se aproxima do centro, e começa a indagar com olhares o primeiro personagem. No ápice, o segundo personagem para o movimento e o recomeça inversamente. Enquanto o primeiro personagem está de costas para o centro, a produção escrita do segundo aumenta consideravelmente; quando o indaga, sua produção cai. A pessoa que se encontra no centro, representa o capitalista, ou seja, o controlador com suas ideologias. Suas ideologias mudam após o tal enfrentamento: ante ao controlado, o capitalista adota uma postura mais doce e suas expectativas caem por terra.

Reflexão
O historicismo parte da premissa de fatos grandes e pequenos, apoiado em uma visão positivista da história. A abordagem teatral pode ser localizada da seguinte forma:
O centro é a ideologia. O movimento é o sujeito.
O centro escreve as linhas do que ele enxerga no movimento. Quando ocorre o reconhecimento do sujeito perante o passado, o centro não pode escrever tão facilmente. Esse reconhecimento só acontece em um instante; logo após a isso inicia-se o movimento de afastamento do sujeito. Ocorre uma simulação de um controle invisível dos atos, tal qual citado por Benjamin na primeira parte de “Sobre o conceito da história”
O sujeito ao andar de costas não reconhece seu passado, e por isso é manipulado
Poderíamos também falar numa redenção do historicismo ao perder seu controle sob o sujeito
Por outro lado, há uma descontextualização da história, no momento em que as imagens se desarticulam, pois ao mesmo tempo em que um personagem está andando em círculos de costas, a outra faz seu trabalho desarticulado ao da primeira
Há também outra reflexão que pretendíamos falar quando fizemos a cena é a do fato histórico e da impossibilidade de falar do passado. Marx fala das coisas brutas e finas da história, sendo que as brutas são onde tudo é determinado por elas (fato histórico) e as finas, fazem parte do espírito
Podemos comparar com um trecho do texto que diz que as coisas da história é como a flor que acompanha o Sol, fazendo o passado florir, nas 'brechas' que lhe foram abertas.

2011-06-22T13:22:00.000-03:00

Grupo Benjamin, Brecht & convidados – Último grupo do dia 06/06

Integrantes:

Aline Janaina Pereira Miquelim
Daniel Angyalossy Alfonso
Gustavo Henrique Soares Denani
Jodes Antonio Moreira Filho
Laura Rezende Fuser
Priscilla Sbarra

Cena:

A cena inicia com os integrantes do grupo discutindo o que vão atuar e de que forma vão interpretar o texto de Bertold Brecht referente à aula. Os integrantes estão bebendo alguma bebida alcoólica enquanto discutem. A medida que vão discutindo, a bebida de um por um vai chegando ao final. Quando isso acontece, os personagens se transformam de personalidade, demonstrando seu verdadeiro lado. Inicialmente todos estavam empolgados e agitados, mas a partir do retorno à “sobriedade” demonstram o lado triste, tímido ou nervoso que existe dentro de cada um.
Ao final da cena resta somente um dos integrantes e este também desiste da atuação quando a sua bebida acaba, saindo da sala como os outros.

Reflexão

A cena é um paralelo ao texto de Brecht, focando principalmente no comportamento de Senhor Puntilla no momento de sua embriaguez. A intenção foi passar a idéia de que o texto, assim como as próprias aulas do curso, são uma fuga controlada da sobriedade, um momento de abordar a realidade a partir de outro ângulo, dissolvendo algumas dicotomias as quais ficamos presos no momento de analisar fenômenos, formular teorias. O momento de embriaguez é justamente essa oportunidade se realizando, o grupo
tentando abordar de maneira heterodoxa a sociedade e o próprio curso.

Texto de referência: TS8: BRECHT, B. O Sr. Puntila e seu criado Matti. In: Teatro completo 6. Rio de Janeiro: Paz e Terra, 1991, p. 171 - 266

TS9 - O círculo de giz

2011-06-21T21:35:00.000-03:00

Grupo os Liminares – Karina, Juliana, Nathalie, Herber, Clayton, Ligia

TS9 - O círculo de giz caucasiano

Acende-se a luz. A cena tem início com uma mulher que traz uma cadeira para o palco. Agarrada a ela, mostra muito apreço pelo objeto e, ao colocá-lo no chão, arruma-o várias vezes até encontrar o melhor lugar, sempre acariciando e limpando a cadeira.

A luz se apaga, e ao acender novamente, um homem entra. Jogando futebol, ele usa a cadeira como uma trave, comemorando com muito entusiasmo o gol. A luz se apaga e acende novamente, entrando outra mulher. Contrastando com o tratamento dado a cadeira pela primeira mulher, a segunda a usa como um mirante para poder observar mais do alto, subindo em cima do objeto. A luz se apaga novamente e entra um segundo homem quando é acendida, que usa a cadeira como peso para fazer musculação. A quinta pessoa a entrar é uma mulher. Traz com ela uma plaquinha na qual se lê: “cadeira da Lígia”. Ela chega carregando um livro, põe a plaquinha na cadeira, senta-se e, sem prestar muita atenção na cadeira, lê seu livro.

A partir dos vários usos que atribuímos a uma cadeira, tentamos retratar a temática da posse, presente em vários momentos da peça de Brecht. Quem seria o verdadeiro dono da cadeira? Aquele que tem um extremo cuidado em relação a ela? Aquele que a usa como um instrumento para o lazer? Ou ainda, aquele que afirma literalmente, por meio de uma placa, ser seu dono?

John comenta que a questão da propriedade da cadeira remete à personagem da mãe de sangue na obra de Brecht. Nossa intenção foi justamente essa: fazer analogia, por um diferente meio, a essa discussão sobre quem tem a posse/ propriedade legítima sobre algo/ alguém.

Por meio dos diferentes usos atribuídos a cadeira, podemos pensar todas as relações que se formam com o objeto. Isso nos remete ao surrealismo, uma vez que, temos a possibilidade de representar a cadeira como várias outras coisas (objeto de apreço, trave do gol, mirante, peso) antes de, enfim, representá-la em sua forma mais concreta de cadeira. A cadeira assume, aqui, o papel do objeto com agencia por fazer a mediação entre significado e significante, é, portanto, um ícone para quem a usa.

Denise comenta sobre a agência atribuída à cadeira em nosso TS, que passa de simples objeto a “atriz principal”. Comenta ainda que a cena em que se utiliza a cadeira como mirante remete a ela a uma passagem de Geertz, que afirma, de maneira polêmica, que o papel do antropólogo é tentar enxergar por cima dos ombros do nativo.

TS8: BRECHT, B. O Sr. Puntila e seu criado Matti. In: Teatro completo 6. Rio de Janeiro: Paz e Terra, 1991, p. 171 - 266

2011-06-20T15:53:00.003-03:00

O Sr. Puntila é um grande proprietário de terras, que tem o habito, como é próprio dos burgueses, de tratar seus funcionários como seres inferiores, como coisas, como mercadorias.
Entretanto, o Sr. Puntila costuma se embriagar bastante, e nestes momentos, ele muda um pouco a relação com seus funcionários. Diferente de quando está sobreo, ele começa a tratálos de maneira mais cordial, e humana. Em algumas passagens, Puntila chega a comentar que o sistema de classes é injusto e desigual. Apesar disso, ele sempre mantem um certo ar de superioridade sobre seus empregados.
O Sr. Puntila tem um motorista, Mati, que percebe esse ponto fraco do patrão, e começa a tirar proveito disso, tentando se aproveitar dos momentos de embriaguez, e se portando com resignação nos momentos de lucidez.
O ponto mais interessante da peça, é que quando está sobreo, o Sr. Puntila exerce com mãos de ferro o seu domínio sobre os trabalhadores, mas quando está bêbado, é como se ele percebesse que o sistema de classes é desigual e errado, mas essa opinião não se mantem quando passa o efeito do álcool.
Na nossa apresentação, resolvemos fazer uma pequena entrevista, na qual o entrevistado era o ex-presidente ( e ex-professor) Fernando Henrique Cardoso. Não caindo no mérito da ciência politica, o ex-presidente teve uma administração que divergiu muito do que ele pregava no período em que lecionava em nossa faculdade. Se sob a orientação de Florestan Fernandes, Fernando Henrique escreveu duras criticas ao capitalismo e a sociedade de classes, o seu governo não refletiu isso, sendo na verdade um momento em que houveram grandes privatizações, e aumento da desigualdade social.
Quando questionado na época o porque de tanta divergência entre o sociólogo e o Presidente, ele simplesmente se limitou a responder: “Esqueçam o que escrevei”.
Esse é um caso interessante, pois ao que tudo indica, ele tinha uma interpretação mais critica da desigualdade social inerente ao capitalismo, mas no momento em que atingiu o poder, não se esforçou para mudar isso, talvez por já estar em uma posição privilegiada.
Um paralelo pode ser traçado entre nosso ex-Professor e o Sr. Puntila, pois em determinados momentos, ambos tem consiencia das desigualdades sociais, e da exploração do trabalhador na sociedade capitalista, entretanto, no momento em que podem atuar buscando um redução da desigualdade, eles não o fazem.

Grupo:
Leandro Fagundes Coelho
Amanda Carneiro Santos
Caio Vinicius Arakaki
Roberta Marcondes Costa
Maraiza Adami Pereira

A história no divã

2011-06-18T22:29:00.002-03:00

Grupo Sem Título
James Lima, número USP 5099793
Renato Abramo, número USP 4778687
Victor Martinez, número USP 7541963
Thiago Oliveira, número USP 5422010
Lia Bissera, número USP 4335432
Priscila Tavares, número USP 6428168
Verônica Deviá, número USP 5680259
Rodrigo Oliveira Salles, número USP 5964280

Teatro-Seminário 5 - Walter Benjamin, Rua de mão única.

O desafio do nosso grupo nesse seminário era representar através de encenação o conjunto de cacos de pensamentos, que durante a leitura da obra em questão, Benjamin nos apresenta.
Inicialmente, fizemos um exercício conjunto de levantamento do conteúdo de alguns desses fragmentos, o que logo nos levou a questionar: mas, o que esses 57 cacos ou fragmentos em conjunto nos dizem? Aliás, esse conjunto de fragmentos de idéias, seria mesmo um conjunto, ou seja, esses fragmentos estariam coesos?

Para resolver essas questões, nós, “marinheiros de primeira e, talvez, de última viagem” na leitura da obra de Benjamin, refletimos sobre uma possível escolha metodológica do autor para compreender a história da sociedade moderna.

Talvez ele, Benjamin, estivesse tentando recolher alguns cacos do inconsciente da história moderna, para apresentar uma interpretação da história que fosse, para usar uma expressão que dizem que é de Benjamin, “a contra pelo”. Ou seja, Benjamin visa jogar luz no que, na história “oficial”, é marginal. Mas esse procedimento não visa simplesmente explicar outro aspecto da história, esse método seria para ele muito mais do que isso. Esses aspectos aparentemente marginais da realidade apresentados em forma de fragmentos, nesse caso, parecem ser os mais esclarecedores da sociedade moderna e de seu desenvolvimento histórico.

Nesse sentido, sua obra nos pareceu tentar expressar a fragmentariedade do mundo moderno através de um método de “recolha de fragmentos”. Poderíamos dizer que a perspectiva adotada por Benjamin leva-o a fazer uma etnografia do desenvolvimento da sociedade moderna? Pergunta muito difícil para nós, pois além de iniciantes em antropologia e ainda mais em Benjamin, o tempo corria e precisávamos construir nossa cena para apresentarmos para os outros colegas. “Quem tem uma idéia?”

Entre outras, surge a que nos pareceu melhor: vamos deitar a história em um divã e através de sua psicanálise trazer seus aspectos mais inconscientes para o nosso conhecimento. Vejamos, ao modo de Benjamin, o que a história tem a nos dizer de seus sonhos e despertares, ou seja, de sua realidade íntima.

Espontaneamente uma integrante do grupo, a Veronica, se colocou a disposição para ser a história e apresentou muito bem o seu papel. Deitada no divã (mesa da sala de aula) descreveu para o psicanalista (Benjamin representado por um dos colegas), para si mesma e para nós todos que estávamos assistindo a cena, suas lembranças ou, se preferir, seus fragmentos. Para isso nossa atriz repetiu alguns e subverteu, já que buscamos sempre de certa forma atualizar nossas interpretações, outros fragmentos de Benjamin.

Enquanto a “história” falava, os outros integrantes do grupo buscavam representar em cena as imagens que a fala dela possivelmente trazia. Essas imagens poderiam estar na cabeça da história enquanto ela se pronunciava. A mais bem feita dessas cenas foi a valsa dançada no inicio da consulta de “Benjamin” à “história”.

A noção de pessoa e o Egobook

2011-06-18T21:47:00.003-03:00

Grupo Sem Título
James Lima, número USP 5099793
Renato Abramo, número USP 4778687
Victor Martinez, número USP 7541963
Thiago Oliveira, número USP 5422010
Lia Bissera, número USP 4335432
Priscila Tavares, número USP 6428168
Verônica Deviá, número USP 5680259
Rodrigo Oliveira Salles, número USP 5964280

Teatro-Seminário 3 - Marcel Mauss

A cena idealizada para a aula de 4 de abril teve como base o texto de Marcel Mauss “Uma categoria do espírito humano: a noção de pessoa, a de ‘eu’”, no qual o autor discorre sobre a formação da noção de sujeito entre diferentes sociedades. Retomando o “caminhar” do pensamento humano e momentos históricos, o grupo optou por representar na cena o que acreditou ser a máscara e representação do século XXI: as redes sociais.

Partindo do Facebook, o grupo idealizou o Egobook, que funcionaria como uma paródia do site de relacionamentos que exalta a imagem pessoal. Esta é construída a partir de informações pessoais, fotografias, amigos virtuais e sites de interesses como música, cinema, livros etc. A cena consistiu em uma interação entre o grupo, mas através da lousa, onde todos desenharam quadros para representar suas páginas no Egobook. Desta forma, escrevendo, o grupo interagia como acontece nas redes sociais: “Victor curtiu a foto de Priscila”, “Lia está em um relacionamento sério” e assim em diante. Sem diálogos, a cena foi executada toda em silêncio, reforçando a ideia de comunicação virtual, feita apenas através da escrita e na internet.

Após alguma interação na lousa, uma integrante resolve apagar sua conta online, sendo excluída da rede. Desta forma, a pessoa perde a sua conta no Egobook, mas principalmente seu papel no círculo de relacionamentos, pois deixa de existir enquanto personagem virtual que se relaciona com a sociedade que existe na internet. As outras pessoas então exclamam: “Vou sentir sua falta!”, mas não expressam nenhuma forma de sentimento.

A cena buscou representar a construção da persona do século XXI. Esta acontece na internet, através das redes sociais, onde todos adquirem avatares de suas pessoas, inserindo-se em uma comunidade que acontece exclusivamente online. Ações são registradas, fotos são publicadas e a vida é construída virtualmente, em uma nova forma de interação paralela ao “mundo real”. A técnica do corpo transforma-se em técnica online, o novo espaço da imagem e dos acontecimentos que existe apenas enquanto bits de informação no mundo virtual.

TS 9 - noturno 13/06 - grupo brecht-benjaminianos

2011-06-18T20:24:00.001-03:00

O julgamento do lobo e do cordeiro - baseado na fábula O lobo e cordeiro de Esopo

O narrador começa a história com o clássico “era uma vez...”. Um cordeiro bebe água em um riacho quando é interpelado por um lobo que diz que se trata de sua propriedade. Lobo e cordeiro entram em uma discussão se o cordeiro pode ou não beber das águas. A discussão ganha um um tom violento, mas um cão pastor chega farejando alguma desordem. Após se dar conta do ocorrido e perceber que não tem jurisdição para decidir sobre o caso, o cão leva lobo e cordeiro a presença do juiz-leão. No tribunal também estão os advogados de ambas as partes. Enquanto do lado do cordeiro, o defensor é bastante atrapalhado, do lado do lobo é realizada uma boa defesa. Ao tomar conhecimento do ocorrido e de ter ouvidos os diversos lados da história, o juiz-leão chega a uma decisão: o cordeiro é culpado, então o lobo pode devorá-lo. Em meio ao cumprimento da cena, volta a voz do narrador colocando uma pergunta final: será que se o juiz fosse outro, uma cabra por exemplo, a sentença mudaria?

A cena visa trabalhar vários dos pontos apreendidos na leitura do texto de Bertolt Brecht,

O círculo de giz caucasiano. Em primeiro lugar, a escolha por uma fábula se deve ao caráter

épico/mítico da história dentro da história de Brecht. Neste texto, os personagens são

mais “fechados”/ “rasos” do que costumam aparecer em suas peças. A construção da narrativa é

muito próxima a de um mito, já que a personagem heróica passa por muitas provações até

chegar ao último desafio, em que triunfa.

A escolha pela fábula de Esopo se deu, então, por possibilitar um segundo momento: um

julgamento - momento fundamental da peça que a nomeia. A cena então foi montada tendo em

vista como seria o julgamento entre lobo e cordeiro para ver quem teria a razão de acordo com o

juiz. Mais duas personagens animais foram inseridos à peça inicial, um cão e um leão. Ambas as

personagens foram escolhidas pela sua “função” na cena, mas também pela proximidade com o

lobo. O cão pastor é o “policial” que deve manter a ordem, mas também é um membro da

mesma família dos caninos. Por outro lado, o leão é o “rei da selva” e também um predador

como o lobo. A escolha foi proposital para o desfecho da apresentação, como é problematizado

na última fala do narrador. Serve para mostrar, como Brecht faz na peça, como a justiça não é na

prática a mesma para todos e que se julga defendendo aquele com o qual se identifica. Na peça,

Grusche questiona o fato ao se deparar com um juiz que a priori lhe seria simpático. Na

apresentação, a decisão radical e cruel a favor do lobo é tomada por um juiz que lhe é

semelhante.

Referência: BRECHT, Bertolt. O circúlo de giz caucasiano. In: Brecht, B. Teatro completo 9.

Rio de Janeiro: Paz e Terra, 1992, pp 179-296.

Grupo: Beatriz Pereira, Caio Dias, Fernanda, Fernanda Ortega, Henrique Cunha, Gabriel Neves.

TS 8 - noturno 06/06 - grupo brecht-benjaminianos

2011-06-18T20:22:00.000-03:00

A cena tem início em um escritório, onde um chefe distribui trabalhos (e inventa retrabalhos) aos seus subordinados. Faz questão de bagunçar os documentos em sua mesa resmungando que a organização destes não estava a contento. Durante o trato diário com seus subordinados, suas ordens são sempre secas e ásperas, e o chefe é motivo de constantes reclamações indignadas realizadas pelos demais nos momentos de liberdade do café, ou em fim de expediente. Um dos funcionários mais perseguidos é Douglas, um senhor japonês de idade avançada, e que sempre se esforça para fazer tudo de forma metódica, tentando sempre atender às expectativas do chefe.

Durante a saída de mais um dia de trabalho, os funcionários estão combinando fazer um happy hour em algum bar da região, quando são surpreendidos pelo chefe, que por ali passa, e ouve a conversa. Douglas, então, faz um convite retórico ao chefe, que imediatamente (e para a frustração de todos). Os funcionários começam a argumentar dizendo que entendem se o chefe não puder ir, afinal o lugar é longe e o chefe é muito ocupado. Estes sinais também não são entendidos (ou são deliberadamente ignorados?) pelo chefe, que decide acompanhar seus funcionários.

Quando no bar, todos começam a beber, ficam mais espontâneos e, em dado momento, o chefe pega de forma errônea a cerveja que Douglas segurava. A cerveja (e a cena) congela, enquanto Douglas, numa epifania às avessas, brava em tom agressivo e revelador: “MAS JÁ NÃO BASTA VOCÊ ME ENCHER O SACO O DIA INTEIRO NO ESCRITÓRIO, E VOCÊ VEM FAZER BESTEIRA TAMBÉM AQUI NO BAR? EU TENHO QUE AGUENTAR VOCÊ O DIA INTEIRO FAZENDO COISAS IDIOTAS E DANDO ORDENS RIDÍCULAS, E AGORA SOU OBRIGADO A TOMAR CERVEJA CONGELADA POR QUE VOCÊ NÃO SABE SEQUER PEGAR UMA GARRAFA DE CERVEJA?”

A cena foi baseada em uma história real do namorado de uma das integrantes do grupo, e pretende trabalhar alguns conceitos presentes na obra de Bertold Brecht, dentre eles o sentimento acumulado de indignação que perpassa a vida de pessoas que, por razões sociais (ou econômicas, no caso de relações de trabalho), precisam reprimir para a manutenção de determinadas relações sociais. E em determinados contextos (o que nos remete a Benjamin) de limiariedade, os sentimentos podem explodir e revelar, de forma libertadora e por vezes inconseqüente, conflitos sociais que não são percebidos de forma explícita no cotidiano.

Nesta situação, podemos resgatar também a teoria de Erving Goffman, para o qual as pessoas estabelecem para si máscaras sociais de todo o tipo e forma, de maneira a se adaptar (e reforçar o sentimento de pertencimento) a um determinado ambiente. É o que se verifica comumente no ambiente corporativo, para o qual as pessoas esperam uma “postura profissional”, no ambiente estudantil, no qual se espera uma “postura adequada” do estudante (que estabelece algumas premissas, como o fato do professor estar sempre certo e ter mais conhecimento, além de outros modelos clássicos da educação, como a disposição das pessoas entre as salas), ou até mesmo em um ambiente festivo, onde as pessoas precisam se comportar de maneira específica.

O texto (e a cena descrita) nos permitiu refletir sobre esta questão, e na percepção de que alguns conflitos e tensões permanecem ainda que nos momentos de aparente calma e tranqüilidade, que a rotina, que por vezes parece adequada para atender às necessidades individuais (como é o caso do esforçado funcionário japonês que a tudo obedece sem questionar), às vezes esconde sentimentos latentes que procuram desesperadamente por uma mínima brecha para explodir de forma intensa e interromper a aparente tranquilidade. E estes momentos, via de regra, costumam revelar muita coisa.

Referência: BRECHT, B. O Sr. Puntila e seu criado Matti. In: Teatro completo 6. Rio de Janeiro: Paz e Terra, 1991, p. 171 - 266

Grupo: Beatriz Pereira, Caio Dias, Fernanda, Fernanda Ortega, Henrique Cunha, Gabriel Neves, Douglas Yanamoto.

TS 9 – O círculo de giz caucasiano, de Bertold Brecht

2011-06-16T23:36:00.002-03:00

Grupo Potlatch - por André Viccini

Após discussão de O círculo de giz caucasiano, nosso grupo, com o fim de levantar um questionamento sobre os modos como Brecht parece articular justiça e retórica em sua obra, resolveu compor uma cena que envolvesse os alunos e o professor de modo a pô-los em posição de tomar papel ativo em julgamentos fundados apenas na incerteza e na verossimilhança.

Assim, a ficção de um roubo, no escuro, pareceu-nos proporcionar a ocasião adequada para alcançar tal fim. Na incerteza do que viram, as testemunhas seriam levadas a escolher, cada uma, um culpado diferente, evidenciado assim a diversidade de opiniões e a ausência de consenso entre as partes conflitantes. Enfim, uma pessoa, que não presenciaria a cena, seria escolhida para julgar o caso, e o grupo não revelaria o “verdadeiro” ladrão.

Porém, o roubo foi cometido na completa escuridão – e não à meia luz – acabando por produzir outros efeitos: como ninguém viu nada, não podendo nem ao menos conjecturar ou dar opiniões fundadas no sentido da visão, e nem a pessoa roubada deu por falta do objeto de sua propriedade, a discussão recaiu sobre dois aspectos presentes na obra de Brecht, a saber, a atribuição de valor às coisas e a aparente arbitrariedade dos julgamentos. De um lado, pelo proprietário não ter percebido o roubo, discutiu-se a falta de valor afetivo do objeto para ele; de outro lado, na ausência de conjecturas sobre quem seria o culpado, as testemunhas, durante o julgamento, num gesto cômico, culparam o próprio dono do objeto pelo roubo.

Enfim, a cena mostrou-se, como um prisma, sob múltiplos aspectos e foi objeto de interpretações diversas, muitas delas baseadas em analogias com passagens do texto de Brecht, ficando a “intenção” do grupo, felizmente, arruinada.

Do círculo em diante...

2011-06-16T19:32:00.000-03:00

No começo de nossa discussão procuramos estabelecer pontes possíveis entre a disputa dos colcós pela terra, e as mães pelo filho. Porém vimos que tanto a relação afetiva da mãe adotiva com o filho podia ser metáfora do colcó que reivindicava o vale por ter uma relação tradicional com a terra, como poderia também, esse mesmo colcó ser encarado como aquele que defende a posse da terra por ter o direito sobre ela, assim como a mulher do governador reivindicava a guarda do filho pela consangüinidade. Novamente caímos nas ambigüidades de Brecht, nas metáforas que dizem uma coisa como o seu próprio oposto. As dialéticas insuperáveis tão bem construídas pelo autor.

Pensamos então em dar continuidade à obra , visto que esta nos parecia sem fechamento; onde uma peça encontra-se dentro de outra , sem retornar aos camponeses nos colcós que assistiam o cantor e os atores. Nossa idéia era justamente apresentar de forma cênica as diferentes relações que poderíamos estabelecer entre a peça dentro da peça e o debate anterior dos camponeses. Da mesma forma que na nossa discussão preparatória do ts havíamos levantado diferentes leituras possíveis entre ambas histórias, pensamos em encenar esses camponeses retomando o debate da terra a partir das possíveis abordagens que a apresentação do cantor e atores permitia.

Porém, pensamos em propor um debate diferente. As palavras não são a única forma de expressar opiniões e relações. Tentamos então fugir da retórica, e tentar estabelecer outros meios de deflagrar uma disputa pela razão. Vimos que seria pouco interessante expressarmos as divergências acima, em formato de mais palavras e mais debates. E ao aprofundarmos a questão sobre lados divergentes e oposições, foi perceptível o fato de que da mesma maneira que na peça inicial os dois grupos entram em acordo, a realidade das dinâmicas pessoais também não é tão inflexível. Da mesma maneira que a Justiça também não o é. Com isso, surge a idéia de ilustrar esta realidade de maneira corporal. Onde faríamos um circulo com todos os membros.

Primeiramente, pensamos em dividir com o giz este circulo ao meio, formando assim duas partes opostas, havendo um debate expresso em movimento, à partir do “convencimento” gestual. Mas ao longo de nossa discussão, achamos mais interessante focar nas “demarcações” que cada indivíduo constrói ao se posicionar no mundo. Utilizando o giz procuramos então encenar as divisões entre pessoas que tem visões distintas sobre um mesmo objeto. O objeto em questão era a roda, que formávamos com nossos corpos em círculo. Após um primeiro contato visual entre as pessoas, uma de cada vez ia riscando o chão e re-alocando as pessoas conforme achasse mais adequado. Isso feito por uma pessoa após a outra, fomos aos poucos modificando completamente a posição original da roda, sem perder a forma de roda, mas criando inúmeras divisões, com os riscos no chão que iam separando as pessoas.

Justamente por se tratar de um discurso visual aonde queríamos que o público reconhecesse essas divisões que iam sendo criadas pelos riscos no chão, assim como a formação em círculo dos atores, escolhemos fazer o ts no espaço verde. Posicionando o público no andar acima, com vista para baixo, para que pudesse ver a apresentação de uma perspectiva do alto.

Após todos os atores terem interferido na formação primeira do círculo, que talvez até o nome de formação original seja questionável diante da discussão suscitada pela peça, todos jogaram o giz que tinham nas mãos no centro do círculo. Dando as mãos, começamos então a girar, numa mistura de dança circular e transcendência da disputa instaurada anteriormente. Então, aos poucos soltando as mãos, mas sem parar de se movimentar, começamos a apagar os riscos que acabávamos de ter feito, desfazendo as divisões que o “debate” anterior entre os corpos havia criado. Soltas as mãos e apagados os riscos, libertando-se e embaralhando-se, procuramos tratar do fim das posições marcadas e divisões criadas anteriormente, e nossa potência de questionar tais opiniões, noções, posições, concepções... e mudá-las.

Para além das disputas e divisões que as diferentes visões acabam suscitando entre colcós, mães, pessoas... escolhemos terminar esse ts com a transformação do círculo e o começo de outro paradigma, outra sociedade, ou qual idéia o público, na sua recepção, prefirir associar.

Atores

Grupo Lukanu: Marília Nogueira, Nina Castellano, Paulo Serber , Rodrigo Rodrigues.

Grupo Experiência Coletiva: Uirá Alves

Grupo Antes tarde do que nunca: Marcus Vinicius Silva dos Santos, Maria Fernanda Sampaio, Priscilla Cardoso Carvalho Coelho, Emerson Rios Viana, Mannuella Alves da Silva, Letícia Neumann, Beatriz Bonaldi, Camila

Texto de referência

BRECHT, Bertolt. O círculo de giz caucasiano. In: Brecht, B. Teatro completo 9. Rio de Janeiro: Paz e Terra, 1992, p. 179-296.

2011-06-16T15:05:00.002-03:00

TS 9 - Noturno
Grupo Benjamin, brecht e convidados

Priscilla Sbarra, Gustavo Denani, Laura Fuser, Aline, Jodes

Nossa cena se passa na sala de um manicômio Um paciente, preso na cadeira e vestindo uma camisa de força, respondo a algumas perguntas do psiquiatra. Essas perguntas remetem tanto ao mundo exterior aos muros quanto à suas memórias, sua subjetividade. Porém, a cada resposta, o paciente é contrariado e confundido com as correções do psiquiatra: um mesmo signo tem significados diferentes, e quem veste o jaleco branco tem autoridade para impor qual significado é correto, qual representação é adequada. Apesar do paciente se recusar a ser tratado como louco, o psiquiatra continua o tratamento, quando chegam as enfermeiras e recolhem o suposto médico, que na verdade era um interno que havia escapado e vestido o jaleco do médico, que ele mantinha cativo. As enfermeiras o levam de volta para seu quarto, prometendo que haveria outro "paciente" para ele cuidar.Baseamos essa cena no tribunal do juiz Azdak. Apesar de nada ortodóxas, as avaliações, decisões e ordens dele eram acatadas, com relutância, pelos acusadores e réus. Entendemos nisso o poder que as representações e a disposição em crer nelas opera sobre a vida das pessoas: o senso de justiça de Azdak não era compatível com o de um juiz convencional, da mesma maneira que a realidade expressada pelo paciente disfarçado de psiquiatra não era necessariamente a compartilhada pelo senso comum. Apesar disso, até as palavras menos lógicas tem uma aura de verdade, desde que enunciadas por uma autoridade, e desde que haja crença nessa autoridade e no contexto em que ela está.Da mesma forma que "O Círculo de Giz Caucasiano" é uma peça dentro de uma peça, é possível abordar o tribunal de Azdak como uma peça dentro do "Círculo de Giz...". Assim, enquanto é pressuposta a autoridade do tribunal em decidir seus destinos, tanto Grusha quanto Natella sabiam que Azdak estava como juiz e poderia deixar de ser a qualquer instante. Da mesma maneira, nosso "médico" impunha ao então paciente uma racionalidade diferente da convencional, mas não menos dotada de verdade.A representação de Azdak afetou radicalmente a vida dos que se submeteram às suas decisões. Por sua vez, a peça provavelmente afetou a decisão entre as duas comunas. São camadas de representações, que remetem umas as outras, mas nenhuma delas tomando para si o estatuto de verdade. A representação que nosso médico disfarçado tentou fazer remeteu diretamente à realidade dele como interno de uma instituição total como o manicômio. Assim, ele tenta relativizar verdades e enunciados, colocando em questão a própria representação do psicanalista.

Referência: BRECHT, B. Círculo de Giz Causasiano.

Questionamentos

2011-06-15T13:15:00.002-03:00

TS 7 – noturno - “Mãe Coragem”

texto referência: BRECHT, B. Mãe Coragem e seus filhos. In: Teatro Completo 6. Rio de Janeiro: Paz e Terra, 1991, p. 171-266.

Grupo do Riso: integrantes

Andre Castilho Pinto, Camila Gui Rosatti, Camila Moraes, Fernanda Tavares, Jorge, Juliana Antunes, Rosemeire Almeida

Sobre a cena:

Três integrantes do grupo sentaram-se lado a lado no palco, de frente para a sala. Um quarto integrante sentou-se de frente para eles, de costas para a sala. Dois dos integrantes eram homens, sentados nas pontas, e duas mulheres, uma no meio dos dois colegas e outra de frente, numa dinâmica e disposição que poderia representar a Mãe Coragem (de costas) e seus 3 filhos (lado a lado no palco).

Perguntas curtas e diretas passaram a ser feitas pela integrante que ficava de costas, para cada um dos que estavam sentados no palco, primeiramente num ritmo mais calmo, dando tempo para que respondessem com certa tranqüilidade e, com o passar do tempo, num ritmo mais frenético, muitas vezes não esperando um deles terminar sua reflexão ou sua resposta para já questionar o outro. Esses questionamentos eram da ordem comportamental, psicológica e pessoal, e visavam causar certo desconforto e surpresa nos questionados. Alternavam-se, completavam-se ou distinguiam-se de um para o outro.

A integrante do meio não respondia a nenhuma das perguntas, apenas concordava ou não com algumas respostas ou incomodava-se ou não com algumas perguntas. No final, já bastante perturbados pelos questionamentos, ela levanta e indica com as mãos que os outros dois integrantes sigam com ela, deixando a questionadora sozinha, perguntando freneticamente para o palco vazio.

Reflexões, comentários da sala e do Professor:

Os colegas destacaram a composição da cena como interessante e profunda, pois os elementos davam a dinâmica e a sensação de pressão e desconforto necessárias e presentes na cobrança por uma postura diante de um questionamento, remetendo aos interrogatórios, aos jogos de quizz e às entrevistas de emprego.

Apontaram um grande drama psicológico como orientador da cena.

A sala propôs ainda que, com o silêncio da integrante do meio, seguimos pelo viés da passividade como grande diferença e questionaram-se a respeito das posições “em cima do muro” como benéficas ou não. Alguns colegas fizeram um paralelo com a cena seguinte que também abordava a mudez e indicaram que, principalmente nestes casos de silêncio, de não ação e de não opinião, o não posicionar-se também é posicionar-se. Teria chamado muito a atenção essa figura central da muda que é capaz de mobilizar e ser dona da ação final.

O professor reforçou a idéia de tensão e de provocação na representação da Mãe Coragem através do perguntador, como aquela que de fato instiga e provoca seus filhos para que sejam capazes de refletir e confrontar. Sua dureza chamaria a atenção justamente para essa tentativa de mobilizá-los, de tirá-los da passividade. As coisas não resolvidas da história, ou do cotidiano atual, também se mobilizariam através da ironia e até da passividade também presente na mãe. “Só tem vida o que é cheio de contradições”, finalizou o professor.

TS7

2011-06-12T21:43:00.000-03:00

GRUPO 6

Aline Hiane de Souza NºUSP 5902756

Ana Carolina Lima de Jesuz NºUSP 5995222

Camila Silveira Zulato NºUSP 6555188

Davidson da Silva Formigoni NºUSP 4929542

Gessimara de Sousa Fernandes NºUSP 6470163

Hélio Wicher Neto NºUSP 5163485

Ivo Paulino Soares NºUSP 6470628

7ª Postagem

Referências:

BRECHT, B. Mãe Coragem e seus filhos. In: Teatro Completo 6. Rio de Janeiro: Paz e Terra, 1991, p.171-266.

ROSENFELD, A. O teatro épico de Brecht. In: Rosenfeld, A. Ibid., p.145-176.

Construiu-se uma cena parodiando os enredos mais habituais em melodramas. A proposta, no entanto, não era concentrar-se na história de sentimentos exagerados. Através da leitura e discussão do texto de Rosenfeld sobre o teatro épico de Brecht intentou-se por meio da trama de amor e traição discutir sobre a figura do telespectador (representado por uma integrante do grupo entre a plateia formada por outros alunos da disciplina) e sua interação com o que era encenado.

O palco da sala tornou-se a televisão que transmitia um capítulo da novela em que Carlos Daniel (protagonista) e Ana Graziela Carolina (“mocinha”) trocam declarações de fidelidade e união eterna. Entretanto, a esperada felicidade é frustrada por uma revelação da vilã, que anuncia estar grávida de Carlos.

O clímax dessa história envolve a expectadora intensamente, provoca o mesmo sentimento refletido pelos personagens: incompreensão.

Em dado momento da cena, a diretora de elenco da novela encerra as gravações do dia, deixando evidente nos bastidores que a narração e o desfecho são apenas simulacros: os atores demonstram opções e vidas diferentes das que representaram.

Todavia, a realidade atrás do cenário não é revelada ou discutida com o telespectador. Essa omissão dos bastidores expõe uma relação de encantamento e envolvimento por parte da expectadora com os protagonistas. Para ela não existe separação entre o personagem e o ator, haja vista a confusão ao final da cena que o grupo representou: a fã da trama agride indignada o ator que representa Carlos por acreditar veementemente que ele traiu a atriz da telenovela.

Além de verossímil, a trama é real para a expectadora. O Teatro Épico de Bertold Brecht é uma contraposição ao teatro “culinário”, o qual é semelhante às novelas. Ao invés de encantar, Brecht suscita atividade; se o teatro burguês ilude, o teatrólogo marxista estimula o raciocínio.

“Um ‘palco científico’ capaz de esclarecer o público sobre a sociedade e a necessidade de transformá-la; capaz ao mesmo tempo de ativar o público, de nele suscitar a ação transformadora. O fim didático exige que seja eliminada a ilusão, o impacto mágico do teatro burguês.” (ROSENFELD, p.148)

A cena representada pelo grupo apresentou seguidas interrupções com o fim de deixar evidente aos colegas de classe a separação entre a “novela” e a “realidade” e também para explorar mais o exemplo da telespectadora hipnotizada, que se identifica com a história dos personagens sem fazer qualquer reflexão e oposição entre o capítulo assistido pela TV e sua vida pessoal.

TS 9 - O Sr.Puntila e ser criado Matti - grupo Potlach

2011-06-10T14:10:00.003-03:00

Por Paulo Torres - grupo Potlach

Sobre o Senhor, suas noivas, seus banqueiros e seus criados

2011-06-10T02:25:00.002-03:00

O homem está vendado. Sobre a venda, ele traz no rosto um óculos. Em suas mãos, um rabo. Diante de si, um longo caminho a percorrer. Desde o primeiro momento em que ele pisa na sala, um cortejo de três empregados o acompanha, eles limpam seus sapatos, ajeitam seu colarinho e batem a poeira de seus ombros. Tudo ajeitado, os empregados se recolhem e montam guarda na ponta do corredor. O Senhor começa a caminhar. Primeiro, ele é interpelado por três banqueiros. Preocupados com o rabo do patrão, disputam cordialmente entre si o melhor investimento para o dito. O patrão agradece o interesse por seu rabo, mas, com gestos pequenos, educadamente se retira da conversa. Inicia-se então um novo chamamento, na outra ponta do corredor, um grupo de três mulheres, envoltas em véus, espera por nosso homem. Uma delas, mais a frente, fazendo do próprio véu um manto, suplicante roga a seu Senhor: “Invista seu rabo num matrimônio!”. Agraciado, ele se aproxima das três moças. Já de mão dada com uma delas, - prestes a consumação do casório - ele retira seus óculos e uma transformação acontece. As mulheres tornam-se promíscuas e insinuantes, agora em meio a gestos provocadores, gritam para que o homem coloque o rabo nelas.

Antes que ele desvencilhe-se das “noivas”, os banqueiros voltam a falar-lhe. De maneira grosseira, sugerem que ele invista o rabo em festas e bebidas. O Senhor agora está percorrendo o caminho inverso ao que fez antes. Os homens o cercam, as mulheres o seguem – todos desordenadamente lhe pedem que faça alguma coisa com o rabo – os empregados também vem juntar-se ao coro. Após algum tempo, a nuvem de pessoas vai se dissipando - todos saem da sala e nosso homem fica solitário. Com o rabo ainda em suas mãos, confuso, ele começa a colocar e retirar seus óculos, colocar e retirar seus óculos, colocar e retirar seus óculos... parece que de nenhuma forma consegue enxergar. Em meio a sua cegueira, a cena termina.

Inspirados em O Sr. Puntila e seu criado Matti de Brecht, o grupo queria estranhar a dinâmica a qual o personagem protagonista se encontrava preso. Na trama, Puntila vivia em constante oscilação entre dois pólos opostos, a embriaguez e a sobriedade. De forma não maniqueísta, Brecht descreve esses estados: no primeiro deles, os interesses alheios pareciam, aos olhos da personagem, tão importantes quanto os seus, algumas vezes chegando a sobrepor-se aos seus; enquanto no segundo, eram seus interesses pessoais, e somente eles, que orientavam suas ações. Vítima da transitoriedade de sua própria consciência, Puntila não tinha nenhum controle sobre o processo que vivia. Quando embriagado, seus valores dos momentos lúcidos tornavam-se incompreensíveis e quando lúcido a recíproca se consumava. Sem ter uma referência fixa para servir de bússola, ele contava apenas com o criado Matti, que desfrutando de uma posição de distanciamento em relação ao drama do patrão (trama central da história), transitava de forma consciente por áreas que outro só conseguia habitar separadamente.

A peça induz também a um paralelismo entre os pólos vivenciados pela protagonista (embriaguez e sobriedade) e os respectivos sistemas comunista e capitalista. Porém o autor não aponta nenhum dos lados como o certo. Brecht parece falar de uma posição realmente distanciada, produzindo no leitor esse mesmo distanciamento e falta de identificação em relação às posições apresentadas . A intenção do dramaturgo parece ser, de fato, a de questionamento: questionamento do que se quer legítimo, do que se quer lógico, do que se quer real... Num espaço de disputa entre tantos pontos de vista, sábio mesmo é aquele que sabe transitar por todos estes.

Referência: BRECHT, B. O Sr. Puntila e seu criado Matti. In: Teatro Completo 8. Rio de Janeiro: Paz e Terra, 1992, p. 11-120.

Integrantes presentes:

Grupo Lukanu: Marília Nogueira, Nina Castellano, Paulo Serber , Rodrigo Rodrigues.

Grupo Fernandas: Felipe Salvador, Fernanda Becker,Leôncio Junior, Lize Marchini e Thais Bessa.

Grupo Experiência Coletiva: Uirá Alves

2011-06-10T00:06:00.001-03:00

As babás de Puntila
Grupo Potlach

TS7- BRECHT, Bertolt. “Mãe Coragem e seus Filhos”. In: Teatro Completo em 12 volumes. Vol.06. Trad. Fernando PEIXOTO. Rio de Janeiro, Paz e Terra 1987

2011-06-09T11:06:00.001-03:00

“... me chamam de Mãe Coragem por que eu tinha medo de estar arruinada, então eu dirigi através do bombardeamento de Riga como uma louca com cinquenta pães no meu carrinho. Eles estavam estragando, o que mais eu poderia fazer ?”

A peça “Mãe Coragem e seus Filhos” escrita em 1939, é uma de nove peças escritas no como critica a uma guerra iminente no período que contava com a ascensão dos Fascismo e nazismo na Europa.
Esse um drama político, que retrata o destino de Anna Fierling, "Mãe Coragem", uma mascate que viajava com o Exército Sueco vendendo botas, salsichas e outras quinquilharias no fronte de batalhas. Mãe Coragem “vivia” da guerra , na guerra.
No intuito de lucrar e sustentar seus filhos, ela vai perdendo, durante o percusso, um a um de seus filhos, Queijinho , Eilif e Katrin, todos mortos pela guerra.
Através da história de mãe coragem e seus filhos, que cruzam a Alemanha , empurrando sempre sua carroça , da primeira a última cena, ainda que essa se torne cada fez mais pesada, apesar de cada vez mais vazia , Brecht traça uma critica a guerra suas causas e consequências. A peça não se trata de um personagem mais que uma situação histórica.
Usando conceitos de distanciamento/Estranhamento, comuns ao Teatro épico brechtianos, a peça retira a nós, o público do lugar familiar, e das relações de empatia com os personagens. Propõe que se analise a situação de fora ,sem emoções.
Mostra uma mãe que sofre com a morte de seus filhos, mas que às vezes parece não ter sentimento algum à mostra. Brecht cria uma personagem que não ganha a simpatia de todos assim de pronto.
Em nossa releitura dessa peça, transportamos os meus dilemas e situações para uma mãe campesina que se vê no dilema entre vender ou não, dois dos seus cinco filhos, para que esses trabalhem nas minas de carvão.
A cena se desenrola em silêncio, marcado pelo barulho de moedas, que representam um contexto, talvez o atual, gerido pelo dinheiro. Assim como a complexa Mãe Coragem, nossa personagem nos deixa em uma situação dúbia , algumas vezes parece não tem coração a outras é uma batalhadora. Não julgamos a mal, na maioria das vezes, pois está em uma situação ruim.

Grupo (Noturno)
Integrantes
Amanda Carneiro Santos
Caio Vinicius Arakaki
Leandro Fagundes Coelho
Maraiza Adami Pereira
Roberta Marcondes Costa

Entre realidades e ficções

2011-06-09T10:05:00.001-03:00

Numa Igreja, três pessoas escutam atentamente as últimas pregações do padre. Ele predica o amor aos outros como a si mesmo e a solidariedade com os desamparados. Ao acabar a missa, um homem, morador de rua e bêbado, está deitado à porta da greja pedindo moedas. Ao saírem, as pessoas que ouviam o padre se deparam com ele. A primeira pessoa passa por ele, com expressão de nojo e rejeição; a segunda o chuta e exclama “mas não se respeita mais nem a casa de Deus!”; por fim, a terceira dá a ele algumas moedas, falando que “é a caridade da semana”.
_____________________________________________________________________

A discussão do grupo acerca do texto de referência teve início a partir da questão apresentada por Brecht que trata de uma espécie de oposição entre realidade e ficção na personagem “Sr. Puntila”. O autor divide a personagem entre momentos em que esta se encontra sóbria e momento em que se encontra embreagada.

Refletindo sobre quando, no princípio da peça, a personagem afirma que está doente no momento em que tem “ataques de sobriedade”, discutimos a respeito de suas características quando bêbado e quando sóbrio, levando em conta sua própria perspectiva a respeito dos dois momentos e as ações que direciona a outros indíviduos com quem entra em contato ao longo da narrativa. Atentamos para como sua vida se convertia num problema de paradoxos entre as situações de sobriedade e embriaguez decritas pelo autor e como a personagem “Matti”, criado de Sr. Pontila representaria uma ligação entre elas, posto que detinha certo conhecimento dos estados do patrão e, assim, sabia como entender e lidar com eles.

Nosso entendimento foi de que há uma tentativa do autor em colocar em cena de maneira crítica questões que tendemos a ocultar ou seletivamente esquecer na “vida real”, isto é, as contradições formadoras do cotidiano. Assim, optamos por realizar a encenação de um momento comum em que estivesse marcadamente presente a contradição e escolhemos a missa por retratar de maneira clara a oposição muitas vezes corrente entre aquilo a que se é orientado a fazer e em que se acredita na Igreja, e aquilo que se pratica fora dela. Além disso, consideramos que seria importante conseguir tocar ainda a questão de como, ao viver esses paradoxos, muitas vezes uma das facetas da “realidade cotidiana” acaba se tornando o momento que consideramos de embriagez, enquanto que o outro é o de sobriedade.

Referência: BRECHT, B. O Sr. Puntila e seu criado Matti. In: Teatro Completo 8. Rio de Janeiro: Paz e Terra, 1992, p. 11-120.

Participantes: Antonia Villacís, Erico, Isadora Biella, Júlio Talhari, Nathalie Camacho

TS5 - BENJAMIN, Walter. Rua de Mão Única. In: BENJAMIN, Walter. Obras escolhidas. São Paulo: Brasiliense, 1985

2011-06-09T00:48:00.002-03:00

A cena em questão inspira-se no texto “Luvas” de Walter Benjamin, que trata brevemente porém de maneira precisa o “asco”. O asco por animais se dá pelo contato num sentido físico, quando, no asco que sente ao tocar a “besta” em questão, o homem reconhece nesta a bestialidade que tem em si.

A apresentação se inicia com uma cena de escritório. Uma funcionária é convocada a comparecer à sala do chefe. No momento inicial é uma conversa de igual para igual, como um papo entre amigos. Após ser tocado o assunto de seu filho que está por nascer, o chefe interliga ao assunto ao argumento de precisar de mais dinheiro para sustentar uma família maior, enfatizando o fato de estar próximo de uma promoção. Porém, para que consiga esta promoção deve “cortar gastos”, indicando sua funcionária como um “gasto”.

Impressionada pela notícia, ela revela uma história de amizade ilustrada pelo fato dela ter indicado o amigo para iniciar sua vida profissional na empresa em questão. Desde o momento em que menciona a palavra “gasto” o chefe passa a ser indiferente e frio, como se a economia de mercado estivesse se comunicando diretamente com a mulher. Eis a besta do homem em questão.

Ao sair da empresa, um casal de mendigos na rua pede por esmola. O homem da cidade não finge que não os vê, finge que não existem. Os mendigos insistem mais agressivamente, aproximando-se e bloqueando sua passagem. Os argumentos que usam para justificar que o empresário lhes dê esmolas são os mesmos que este usou para justificar porque precisava do “dinheiro proveniente da demissão de sua amiga”. Ele havia mendigado para o capitalismo.

Ao ter contato físico com os mendigos que lhe tocam e puxam exigindo dinheiro, reconhece nestes a besta que aloja em si próprio, e corre apavorado num movimento brusco.

Referência: BENJAMIN, Walter. Rua de Mão Única. In: BENJAMIN, Walter. Obras escolhidas. São Paulo: Brasiliense, 1985, p 11- 69

Grupo (Noturno)
Integrantes
Amanda Carneiro Santos
Caio Vinicius Arakaki
Leandro Fagundes Coelho
Maraiza Adami Pereira
Roberta Marcondes Costa

TS 7: o efeito de estranhamento

2011-06-08T13:32:00.001-03:00

TS 7: o efeito de estranhamento

Os liminares: Nathalie, Karina, Juliana, Ligia, Herber, Clayton

Vende-se um videogame. Durante um programa de culinária no mais famoso canal da televisão a apresentadora chama seu convidado a falar. Um homem de aparentes 40 anos, vestido como um bom pai de família vende um vídeo game de última geração: “vejam só, trago para vocês o maior lançamento no mercado eletrônico, tela 3D, gráficos de alta resolução, processamento de alta velocidade, mais de 1 milhão e 400 mil jogos já disponíveis para compra pela internet, quatro joysticks, para você amiguinho, brincar com mais três coleguinhas, tudo isso mamãe, em 17x no cartão”. A apresentadora alerta: “mas atenção crianças, jogar só depois de fazer a lição de casa”. O convidado, indiferente, continua: “eu tenho aqui cem unidades promocionais, ao adquirir o videogame você ganha uma cadeira ortopédica para não deixar seu filhinho com dor nas costas!”. E assim o merchandise termina.

O vendedor volta para casa e encontra sua mulher entediada, lendo uma revista. Pergunta a ela da janta e de seu filho, Joãozinho, que está na sala jogando videogame e nem falou com a mãe direito. O pai se aproxima e pergunta ao filho como ele está, Joãozinho não responde, ele então pergunta como foi a escola, Joãozinho não responde, o menino está vidrado no videogame. O pai manda Joãozinho fazer a lição de casa e o filho responde com um “ahã” e o pai então desiste, falando a mulher: “bom, pelo menos o meu negócio funciona”.

A personagem principal de Brecht é uma mulher em meio a uma guerra de grande amplitude, mas em meio também às batalhas na vida pessoal. Da mesma forma tentamos traduzir essa idéia em nossa cena: o homem que vende o videogame para garantir seu salário em meio a conjuntura que impõe o sistema capitalista mas ele é também um pai de família que não consegue se comunicar com o próprio filho embebido no jogo que ele próprio vende.

Mãe Coragem: viver da guerra tem um preço que ela paga conscientemente - é importante frisar que Mãe Coragem sabe no que está se metendo, ela sabe que fez uma escolha e sabe de suas conseqüências o que não exclui um legítimo sofrimento. O pai, personagem de nossa cena, parece, de alguma forma, ter consciência de sua escolha enquanto comerciante de algo que contribui para a desestruturação das famílias, algo que torna a criança, desde muito pequeno, isolado, alheio ao mundo e às relações familiares. Sua frase final “bom, pelo menos o meu negócio funciona” demonstra isso.

Há uma ética presente em ambos os casos: há um preço a ser pago pela exploração, exploração da guerra enquanto instrumento lucrativo, exploração da propaganda enquanto modo de cooptar pais e crianças.

Indiferença, contradição e vícios sociais - estão presentes na obra de Brecht mas são também elementos facilmente perceptíveis em nossa sociedade. Mãe Coragem, apesar de consciente de sua escolha, mantém certa indiferença com a realidade ao seu redor. O pai-comerciante de nossa cena percebe a conseqüência do vídeo game na vida de seu filho e de sua família, mas nada o estimula a mudar tal situação. Ambos os casos parecem representar os vícios sociais próprios do sistema capitalista como, por exemplo, tirar proveito do momento e da situação para aumentar o lucro. Ambos os casos tornam latente uma contradição assustadora – sustentam-se os vícios que são a própria causa da desestruturação da sociedade.

Figura muda: assim como Kattrin, Joãozinho expressa através do silêncio uma falta de comunicação esclarecedora: aquele que não fala, na verdade, diz tudo. O emudecimento frente a tantos valores distorcidos pode representar indiferença a conjuntura no qual estão inseridos mas também uma reação a condições hostis (a guerra verdadeira, a guerra travada pelo videogame). É na guerra que Mãe Coragem e seus filhos aprendem a lidar com certos dilemas (o interesse individual x o coletivo, o bem x o mal, o dinheiro x o amor). É no jogo que Joãozinho e seus pais travam a batalha familiar e seus corpos tensos reagem ao dia a dia do trabalho, da vida de dona de casa, das horas no videogame.

Carnaval, um momento liminar contemporâneo

2011-06-06T23:51:00.004-03:00

Grupo Sem Título (noturno)
James Lima, número USP 5099793
Renato Abramo, número USP 4778687
Victor Martinez, número USP 7541963
Thiago Oliveira, número USP 5422010
Lia Bissera, número USP 4335432
Priscila Tavares, número USP 6428168
Verônica Deviá, número USP 5680259
Rodrigo Oliveira Salles, número USP 5964280

Teatro-Seminário 1 - Victor Turner

Para apresentar o texto de Victor Turner sobre a liminaridade e o momento de communitas, resolvemos encontrar alguma situacão ritualística na sociedade contemporânea com o cárater liminar que o autor apresenta.

Turner define a liminaridade como a condição na qual as pessoas "furtam-se ou escapam-se à rede de classificações que normalmente determinam a localização de estados e posições num espaço cultural" (TURNER, 1974, p.117).

Seguindo essa definição e as características evidenciadas em oposição às propriedades do sistema de posições sociais de Lêvi-Strauss - transição, totalidade, homogeneidade, igualdade, ausência de propriedade, ausência de "status", entre outras - , resolvemos montar algo que envolvesse o Carnaval.

Entende-se o carnaval como um momento que marca um ciclo na sociedade brasileira. Chega a ser falado que o ano no Brasil só começa depois dessa festividade. Além disso, o comportamento das pessoas durante essa festa ao mesmo tempo que reforça a coletividade, também a nega.

O carnaval não deixa de evocar uma experiência dramática na qual “a sociedade fala de si para si mesma”. Ele é uma subversão ou até uma inversão da “normalidade” do cotidiano. E sendo assim, reflete ou revela o próprio cotidiano, isto é, ele “contêm, mesmo que apenas implicitamente, meios de reflexividade pública”.

Todas as referências servem apenas para o entretenimento coletivo. Por exemplo, no carnaval muitos homens se vestem de mulher como forma de diversão. Também são comercializadas e usadas máscaras de pessoas que fazem parte de um repertório comum, como as do ex-presidente George W. Bush, ou do militante Osama bin Laden. É como se tudo que temos como estruturante e que marca nossa vida social ficasse efemeramente suspenso.

As pessoas durante o carnaval também são mais flexíveis. Muitas vezes, evidenciando características que normalmente não são comuns a elas. Pensando nisso, resolvemos montar uma cena mais conceitual e menos cênica, para mostrar a relação simbólica entre a liminaridade e o carnaval.

No tablado, foram dispostas quatro duplas, um de costas para o outro. Inicialmente, apenas quatro pessoas ficaram voltadas para a sala, fingindo estar em situacões do cotidiano: lendo, escrevendo, ouvindo mp3 ou apenas andando. Quando uma das pessoas "escondidas" começava a tocar flauta doce, nós virávamos e as pessoas que estavam olhando para a lousa, voltavam-se para o público, com máscaras, dançando uma marchinha de carnaval e na maioria das vezes com as mãos dadas. Isso se repetiu mais 3 vezes.

Sem pretensões narrativas, a ideia era enfatizar as características liminares apontadas por Turner e que encontramos no carnaval: momento pontual dentro e fora da estrutura social que revela certo reconhecimento de um vínculo social generalizado, que, por hora, foi suspenso.

Referência: TURNER, Victor. Liminariedade e communitas

TS 7 – 30/05 Grupo “brecht-benjaminianos”

2011-06-06T17:42:00.003-03:00

Cena:

O grupo inicia a cena representando a seguinte passagem da peça “Mãe Coragem” de Brecht:

“Num acampamento. Depois do meio-dia. Num mastro improvisado, a bandeira do regimento. Entre sua carroça, que ostenta uma grande riqueza de novas mercadorias, e um grande canhão, Mãe Coragem estendeu uma corda de roupa lavada; ela e Kattrin estão dobrando a roupa em cima do canhão. Enquanto isso, ela discute com um Artilheiro o preço de uma sacola de balas. (…)

ARTILHEIRO – Por dois florins, eu lhe dou as balas. E é bem barato: eu preciso do dinheiro, porque o Coronel está a dois dias bebendo com os oficiais e o licor acabou.

MÃE CORAGEM – Mas é armamento do exército: se me pegam com isso, vão me levar à Corte Marcial. Vocês vendem as balas, seus malandros, e a tropa fica sem ter o que atirar contra o inimigo.

ARTILHEIRO – Não seja má: uma mão lava a outra.

MÃE CORAGEM – Material do exército, eu não compro: por esse preço não.

ARTILHEIRO – Hoje de noite, mesmo, você já pode vendê-las; por cinco ou até oito florins, discretamente, ao Artilheiro do Quarto Regimento: é só você dar a ele um recibo de doze florins. Está sem munição de espécie alguma.

MÃE CORAGEM – E por que não faz isso o senhor mesmo?

ARTILHEIRO – Porque eu não tenho confiança nele: somos amigos.

MÃE CORAGEM pega a sacola – Me dê! à Kattrin – Vá lá atrás e pague a ele um florim e meio. Ante os protestos do Artilheiro. Eu disse um florim e meio! Kattrin leva a sacola para trás da carroça, e o Artilheiro vai com ela. (...)”

No momento em que a personagem Kattrin vai para trás da carroça, todos paralizam a cena. Então Kattrin, que na peça original é muda, passa a falar. Os demais personagem continuam paralisados e não se comunicam com ela. Apenas os espectadores compartilham do que Kattrin diz. O narrador anuncia: “Kattrin, a coitada” e ela se lamenta por não poder falar e ter de obedecer sempre ao que sua mãe lhe diz. A personagem sai de cena e outra pessoa do grupo entra, representando uma “outra Kattrin”. A partir de então diferentes versões da personagem vão sendo apresentadas sucessivamente. Narrador: “Kattrin, a rebelde.” Kattrin questiona as atitudes e valores da mãe. Ela se retira e uma nova Kattrin entra em seu lugar. Narrador: “Kattrin, a sedutora.” Kattrin tenta seduzir o Artilheiro. Narrador: “Kattrin, a mercenária”. Kattrin: “Um florim e meio! Se eu pudesse falar, negociaria muito melhor do que minha mãe!”

Proposta:

O grupo se propôs a criar uma cena a partir da pergunta: “Se Kattrin pudesse falar, o que diria?”. A idéia, dentro de um contexto bretchniano, seria considerar um aspecto da cena de uma personagem que, apesar de não ser protagonista da peça, tem participação ativa em diversas cenas, e desenvolve papel fundamental para o desfecho da história. Todos os demais personagens desta peça, em geral, expressam suas condições e posições de forma muito explícita, mas Kattrin, pela sua mudez, é uma personagem muito mais difícil de definir e caracterizar (especialmente quanto aos aspectos subjetivos de sua personalidade).

A personagem é descrita por Mãe Coragem como inválida, e nenhum dos demais

personagens parece se esforçar para procurar saber o que ela pensa ou sente sobre alguma situação. Embora ela tente se comunicar algumas vezes, não consegue chamar atenção para si e fica limitada a obedecer ao que sua mãe lhe pede. Somente no final do enredo Kattrin consegue que a escutem, quando toca os tambores para avisar que a cidade seria atacada. Através do seu sacrifício (já que ela chamou a atenção para si ao tocar os tambores), portanto, ela se torna então a heroína da história.

O grupo procurou trazer para a cena alguns dos possíveis pensamentos e sentimentos de Kattrin, tentando trazer suas características que não se limitam ao papel de “muda” ou “heroína”, e, desta forma, chamar a atenção do público para um elemento da cena que comumente passaria despercebida, e propor a reflexão sobre a personagem. Kattrin ganhou diferentes características: “a coitada”, “a rebelde”, “a sedutora” e “a mercenária”, indicando que sua personagem é complexa e pode se mostrar com diferentes faces. A personagem foi convidada pelo grupo a expressar a existência de suas opiniões e vontades, e o público foi convidado a refletir sobre aspectos menos objetivos desta peça de Brecht e nas escolhas realizadas pelo autor para a construção do personagem.

BRECHT, B. Mãe Coragem e seus filhos. In: Teatro Completo 6. Rio de Janeiro: Paz e Terra, 1991, p. 171-266.

Grupo 3 - Noturno: Beatriz Pereira, Caio Dias, Douglas Myamoto, Fernanda Latorre, Fernanda

Ortega, Henrique Cunha, Gabriel Neves.

Apresentação realizada em conjunto com Gustavo (nº USP: 5680583)

Breja & Brecht TS7 - Bertoldt Brecht - Mãe Coragem

2011-06-06T09:35:00.002-03:00

Grupo Breja & Brecht - Bruno, Thais, João, Ewerton, Luiza e Otávio

Para este TS optamos por usar a peça de Brecht como uma analogia, trazendo-a para o nosso presente e realidade. Sem descaracterizar muito, trouxemos a guerra dos trinta anos para hoje em dia.
Se tratando de uma guerra histórica com origens palacianas e religiosas, a transpomos para a nossa guerra urbana típica, a anti-drogas. Pela abordagem contraditória dispensada à guerra por Brecht, que a coloca como motivo de sofrimento e perda, mas também da própria sobrevivência de mãe coragem e sua família, enfocamos nossa guerra urbana pelos dois lados típicos, o do traficante e do policial.
Retratando primeiramente uma manhã com uma mãe acordada, seus dois filhos (traficante e policial) saem pra trabalhar e pedem a benção, mas não sem antes ter de deixar dinheiro em casa para sustentá-la, mas por exigência da sua mãe. Depois ambos são retratados em seu “serviço”, um abordando pessoas e outro vendendo drogas.
Desmascarando a “bom-mocice” do policial que vai buscar o “acerto” com o traficante, ambos irmãos entram em conflito e morrem. Morrem pela mesma guerra que os fazia sobreviver e sustentar a mãe. E de todo esse estranhamento nasce um fim empiricamente improvável mas logicamente coerente.
A cena se encerra com a nossa mãe coragem saindo para o seu trabalho, como vendedora de sugestivas COCAdas. O estranhamento surge quando a mãe se depara naturalizadamente com dois defuntos que, vendo serem seus dois filhos, ao invés de ficar triste e/ou desesperada, encara como uma conseqüência mais ou menos inevitável da sua situação e só diz que deve continuar em frente, até porque mais filhos virão. E o jeito é continuar trabalhando...

TS4- BENJAMIN, Walter. Sobre o conceito da História. In: Obras escolhidas - volume 1. Editora Brasiliense, 2008

2011-06-03T09:57:00.004-03:00

A cena se inicia com uma criança que chega e senta no centro do palco, entre duas mulheres com livros na mão e na frente de um defunto que ela olha, a priori, desconfiada. A criança então pede que as mulheres lhe contem estórias. Atrás de cada uma delas está escrito, no quadro negro, uma palavra. A mulher, cuja escritura atrás é “Verdade?”, começa:

“Hoje morreu o maior terrorista de todos os tempos. Os Estados Unidos e a democracia comemoraram a morte de Osama Bin Laden que, por diversos atentados e mortes que protagonizou – como o 11 de setembro –, virou um símbolo da destruição e doa maiores inimigos dos EUA. Essa vitória da guerra ao terror fica marcada em nossa história (...)”
A criança escuta toda aquela estória com muita atenção, concordando com as diversas afirmações apresentadas. Logo em seguida chega a vez da outra mulher, cujo escrito correspondente é “Ficção?”:

“Era no tempo do Rei, o Rei era um sultão saudita pomposo e acumulador de bens materiais. Tais hábitos, vistos como ocidentais, muito incomodavam o empresário islâmico ortodoxo Osama Bin Laden que, para combater o sultão, forma uma base chamada Al Qaeda e, assim, combater a família real.

A família real representava para Osama todos os males da civilização ocidental, a luta era, portanto, maior. O mundo estava contaminado e o antídoto era destruir os símbolos desse modo de vida maléfico. Osama então bola um plano: promover uma série de atentados e vencer o mal.
Contudo o mal possuía a força do super homem e contava com o apoio de uma série de aparatos tecnológicos sob uma capa azul e vermelha.”

Depois de ouvir a segunda estória, demonstrando emoção a cada passo daquele intrigante personagem, a criança se levanta e cutuca o morto – o próprio Osama. Sem obter resposta ela vai embora.

Walter Benjamin tem um debate interessante sobre formas de narrativa onde ele compara a crônica à notícia:
“Cada manhã recebemos notícias de todo o mundo. E, no entanto, somos pobres em histórias surpreendentes. A razão é que os fatos já nos chegam acompanhados de explicações. Em outras palavras: quase nada do que acontece está a serviço da narrativa, e quase tudo está a serviço da informação.” (pg. 203)

A intenção do grupo foi apresentar um pouco do debate das diferentes possibilidades de narrar qualquer acontecimento, no caso, o acontecimento histórico do dia: “a morte de Bin Laden”. As duas formas de narrativa apresentada pelas mulheres, que podem ser observadas acima, possuem clara diferença de forma e se encaixam no que o autor chama de crônica e, por outro lado, informação.

Houve também, por parte do grupo, uma intenção de fomentar o debate, pratica Benjaminiana, colocando questionamento – representado pelo “Verdade?” e “Ficção?” escritos no quadro negro fazendo referencia as mulheres, ou melhor, as estórias. A disposição do fantástico e inesperado vem por parte da criança que, após ouvir as diferentes estórias, se levanta e cutuca o morto – como cutucasse a realidade para conferir se ela é tão real assim.

*Essa apresentação aconteceu no dia que Barack Obama, presidente dos Estados Unidos, saiu na imprensa mundial afirmando que seu exército capturou e matou Osama Bin Laden.

Aula de 01.05.2011*

Professor: John C. Dawsey

Alunos:
Roberta Marcondes Costa
Leandro Fagundes Coelho
Amanda Carneiro Santos
Caio Vinicius Arakaki
Maraiza Adami Pereira

TS3 – Mauss, Marcel. Uma categoria do espírito humano a noção de pessoa, a de “eu”. In Mauss, M.Sociologia e antropologia.São Paulo Cosac &Naify,2003.

2011-06-02T12:46:00.005-03:00

No estudo "Uma categoria do espírito humano: a noção de pessoa, a noção do 'eu'", de Marcel Mauss (1974), o autor vai analisar a caracterização da pessoa como definição social da personagem nas sociedades tradicionais para, a seguir, construir uma história social da noção de persona, no Ocidente.

Como acentua, a noção de pessoa representaria nas sociedade primitivas uma entidade social, "que reveste a vida dos homens em sociedade, segundo direitos, religiões, costumes, estruturas sociais e mentalidades"(p. 211). A caracterização da "personagem" proporcionaria um modelo que poderia ser tratado como fato social, que genericamente representaria uma 'consciência da continuidade' .

Todavia, só posteriormente, em Roma, como argumenta o autor, se instituiria a noção de “pessoa humana [como] uma entidade completa, independente de qualquer outra, a não ser de Deus"(Mauss, 1974, p. 226). O que Mauss localiza em Roma é a passagem da noção de pessoa, como um fato de organização social, para um fato fundamental do direito. O que ele chama de “ transcorporação” da noção de pessoas, essa sairia da esfera exclusiva da organização social e passaria à esfera do indivíduo. Historicamente, essa noção será aprimorada pelos cristão, em especial , pelas seitas religiosas do século XVII e XVIII que introduziriam a noção do indivíduo.

Em nosso segundo texto de discussão As técnicas do Corpo o autor discutirá as técnicas que se definem pelo uso que fazemos do nosso corpo para atingir uma finalidade preestabelecida, seja, nadar, correr, andar, comer, etc. Mauss ressaltará que essas técnicas são sempre tradicionais e eficazes. Tradicionais porque segue parâmetros estabelecidos culturalmente dentro de um grupo de indivíduos. Eficazes porque o objetivo proposto é alcançado.

A maneira como dormimos, comemos,nos apresentamos para os demais, os movimentos corporais em geral, são apreendidas culturalmente por meio do ensino técnico. Quando criança ouvimos nos dizer: "senta direito", "Vê se isso é maneira de comer, fecha a boca", interiorizamos esse ensinamentos.

O corpo é um instrumento sobre o qual vivemos. Precisamos reconhecer e analisar o corpo a partir de três dimensões externas que o condicionam :o social, o fisiológico, o psicológico "os hábitos variam com as sociedades, as educações, as conveniências e as modas." Cada cultura instrumentaliza o corpo a seu modo. E as técnicas eficazes são difundidas pela educação.

Assim, ao nos debruçamos sobre textos supracitados optamos por apresentar uma cena que trouxesse à tona a discussão do eu, ou melhor, a noção de persona, assim como apresentassem algumas forma de difusão das técnicas corporais nossa sociedade. Nos atentamos a aparatos como espelhos, maquinas fotográficas etc. que permitem-nos um contato com o corpo a individualidade, como de alguma forma desenvolver e aprimorar as técnicas apreendidas durante as interações sociais. Portanto, ao analisar as posses, discuti-las com amigos/as e colocá-la em prática, no caso, durante uma “paquera” reproduzimos e produzimos forma de interação com o corpo que são especificas de nossa sociedade.

Grupo (Noturno)
Integrantes
Amanda Carneiro Santos
Caio Vinicius Arakaki
Leandro Fagundes Coelho
Maraiza Adami Pereira
Roberta Marcondes Costa

TS2: Geertz, Clifford. Um jogo absorvente: notas sobre a briga de galos balinesa. In: Geertz,C.A interpretação das culturas.Rio de Janeiro:Zahar,1978

2011-06-02T12:43:00.006-03:00

A experiência de Clifford Geertz em Bali e a análise que o autor faz sobre as brigas de galos, seu poder simbólico e a dramatização das preocupações balinesas em relação ao status, servem de mote às cenas criadas para o teatro seminário da aula 03.

Segundo Geertz, os aspectos da cultura funcionam como um documento e são importantes para a compreensão da organização de diversas características de uma sociedade e, portanto, devem ser lidos e interpretados. Com base nisso, o autor percebe que o aparente paradoxo do pavor do povo balinês a tudo que pareça animalesco e selvagem associado ao profundo apreço às brigas de galo, na verdade reflete, no inconsciente coletivo, uma normatização dos costumes ou como não agir cotidianamente. Assim, é a partir das rinhas que os balineses se educam sentimentalmente.

O balinês vai à briga de galo não apenas para experimentar como se sente uma pessoa retraída ao ser desafiada e confrontada, mas principalmente para descobrir seu temperamento e o de sua sociedade. A briga de galo não é apenas um aspecto da sociedade balinesa, é um espelho dela: hierarquizada, masculina, focada no status.

A partir dessas reflexões, pensamos em idéias que, a partir de uma cena, pudessem refletir a imagem desse espelho. O processo de criação foi difícil porque o próprio texto já trabalha com uma forte imagem e, inevitavelmente, acaba por ocorrer uma tendência em reproduzir ou simular a briga de galos, ainda que com situações do cotidiano brasileiro, ou seja, próximas da nossa própria realidade.

E foi assim que nos veio em mente interpretar o texto a partir de uma brincadeira infantil, já que elas também servem não apenas a diversão, mas também como fábulas moralistas ou educadoras. Dançando em volta de uma cadeira, duas mulheres disputam o assento que é também o símbolo de status da brincadeira. Ora, quem senta quando a música acaba é, por fim, quem ganha.

Contudo, curioso é que até aqui os homens estão ausentes da cena, isso porque apesar da sociedade balinesa não ter uma divisão sexual do trabalho, a briga de galo é vista como algo tipicamente masculino – as mulheres não podem sequer ver o esporão e tampouco apostar. A ausência masculina era deste modo, uma inversão desses valores. No entanto, quando a música acaba, surge do centro da sala, sob o holofote das luzes brancas, o homem que sentará no trono do status, deixando as mulheres perplexas e no fundo sendo o vencedor da “briga de galos” que ele nem sequer havia efetivamente disputado.

Grupo (Noturno)
Integrantes
Amanda Carneiro Santos
Caio Vinicius Arakaki
Leandro Fagundes Coelho
Maraiza Adami Pereira
Roberta Marcondes Costa

TS1- TURNER, Victor W. In: “O processo Ritual” – Estrutura e Antiestrutura; capítulo 3 – Liminaridade e comunitas.

2011-06-02T12:38:00.004-03:00

Formas e atributos dos ritos de passagem

Victor Turner, em seu livro “O processo ritual”, dedica um capítulo ao estudo dos ritos de passagem e liminaridade. Ele parte de conceitos descritos por Arnold van Gennep, que estudou a fase liminar dos rites de passage. Van Gennep demonstrou que todos os ritos de passagem, ou de transição, se caracterizam por três fases distintas: separação, margem e agregação.

No primeiro estágio, o indivíduo se afasta do ponto fixo que ocupava na estrutura social, esse processo é acompanhado pelo desprendimento dos símbolos e elementos que correspondiam ao seu estado social. Em seguida, o individuo se encontra na fase marginal (ou limem, que vem de liminar). Neste momento, o individuo assume um papel transitório, com características ambíguas. Em geral, neste momento, o individuo não possui mais nem os atributos passados, nem os que irá receber. No terceiro e ultimo estágio, o individuo se prepara para ocupar o seu novo status social, recebendo os símbolos que representam essa nova posição na estrutura social.

O estudo de Turner enfoca mais especificamente no momento de liminaridade. Ele desenvolve mais interesse por esse estágio, por apresentar a alternância entre dois modelos de relacionamento humanos, o primeiro seria o da sociedade como um sistema hierárquico e organizado. O segundo, que surge na fase liminar, é o da sociedade estruturada em um “communitas” aonde a ordem anterior é suspendida temporariamente para a realização do rito de passagem.

Em nossa apresentação, procuramos representar um rito de passagem, a partir dos estágios elaborados por van Gennep e trabalhados no texto de Turner.
Sozinho, sobre o tablado, encontra-se o individuo que passará pelo processo ritual. Em silencio, entram outras pessoas, que paulatinamente vão retirando as suas peças de roupas, que simbolizam o seu status e a sua posição social diante do grupo. Quando ele está praticamente despido, ele se encontra em um estado transitório, sem status definido.

Neste momento, o iniciado passa por um momento de humilhação e punição, da qual não pode reclamar, quando todos os presentes atiram bolinhas de papel em sua direção. Esta fase do ritual é importante, para ressaltar ao individuo que assumira um novo papel, a característica dialética da estrutura social, aonde a alternância entre estrutura e communitas é indispensável para o funcionamento da sociedade.

Por fim, os outros indivíduos que estão acompanhando o processo de transição auxiliam o iniciado a se levantar após a humilhação, e começam a vesti-lo novamente, porem desta vez com as roupas, símbolos e atributos de seu novo papel social. Ao final desta fase, o individuo está pronto para assumir seu novo papel, e ser reconhecido pela sociedade como alguém que está apto a ocupar este novo status social.

Grupo (Noturno)
Integrantes
Amanda Carneiro Santos
Caio Vinicius Arakaki
Leandro Fagundes Coelho
Maraiza Adami Pereira
Roberta Marcondes Costa

Infância

2011-06-02T11:26:00.002-03:00

TS 5 Grupo do Riso

Texto de Referência:

BENJAMIN, Walter. Rua de mão única. In: BENJAMIN, Walter. Obras escolhidas II: rua de mão única. São Paulo: Brasiliense, 1993.

Integrantes do Grupo: Andre Castilho Pinto, Camila Gui Rosatti, Camila Moraes, Fernanda Tavares, Jorge, Juliana Antunes, Rosemeire Almeida

Descrição da Cena: Partindo da idéia sobre a infância corrompida presente na obra de Benjamin, a cena tem início com um grupo de crianças dispersas pela sala, brincando, libertas pelos devaneios característicos de sua idade, fantasiando com diferentes objetos e coisas que encontram por todo o ambiente. Brincadeiras são realizadas por três das personagens, enquanto uma delas desenha em um quadro. Os traços dos desenham são característicos da infância, onde são colocados rostos e feições humanas em objetos inanimados como o sol, as cores são colocadas livremente no desenho, não correspondendo necessariamente às cores reais das coisas. Estão descalças. É intervalo de aula. Este momento tomado pela imaginação é subitamente interrompido por um barulho estrondoso, como uma campainha.

O som soa perturbador às crianças, que instantaneamente deixam a situação onírica em que se encontravam, como se tivessem sido rudemente acordadas de um sonho. Rapidamente procuram por seus calçados, os vestem. O desenho que havia sido feito é apagado. Entram em fila, marcham em direção à lousa e se agacham atrás da mesa. Levantam lentamente, fazendo gestos grotescos deixando, ao final, transparecer a sua feição de horror, remetendo a pintura “O Grito” de Edward Munch. Estão enquadradas na mesma moldura onde antes havia o desenho da criança.

Reflexão: Trata-se de uma alusão à superação da infância, concebida pela sociedade burguesa como um período de ingenuidade. A critica de Benjamin centra-se nessa busca pela ruptura desta fase de grande fertilidade, papel este cumprido por diferentes instituições, dentre elas a própria família e a escola. Nesse âmbito, a cena buscou refletir a desconstrução da infância pela imposição da racionalidade dentro de um quadro progressivo das atividades, onde não há espaço para o desenvolvimento criativo do sujeito. Por isso da importância do adiantamento da “maturidade”.

Marcha do Progresso

2011-06-01T21:15:00.002-03:00

Grupo do riso
integrantes: André, Camila Gui Rossati, Camila Moraes, Fernanda Tavares, Jorge, Juliana Antunes Mendes, Rosemeire

Descrição da cena:

5 integrantes do grupo entram na sala, em fila, marchando. Ocupam o corredor e continuam marchando, agora sem sair do lugar. O primeiro da fila pronuncia uma data: "1789", a qual se segue a fala da última ocupante da fila: "minha terra: Angola. Fui traficada para o Brasil. Morri a chibatadas", que em seguida cai, como se morresse, continuando apenas seus murmúrios, que se repetem durante toda apresentação: " tráfico - escravidão - morte".

O primeiro da fila pronuncia uma segunda data: "1932", seguida da fala da antepenúltima pessoa da fila (a última jazia entre murmúrios no corredor): " Judia. Fugi da Alemanha e fui pega na fronteira com a França", que também cai morta após a fala e cujos murmúrios se juntam aos da primeira personagem morta: "Auchwitzs - judeus - nazismo".

Terceira data: "1980". "China, Revolução Cultural. Fui fuzilada na Praça da Paz". Queda e murmúrios: "Paz, revolução, comunismo".

Quarta e última data citada na apresentação:" 2010". "Pacificação do Morro do Alemão. Eu era só um trabalhador. A polícia me matou". Morte seguida dos murmúrios: "pacificação, trabalhador, polícia".

Após queda de todos do grupo, que aconteceu de trás para frente e cujos murmúrios formam um grande eco, resta apenas o primeiro da fila em pé, que então avança marcha e, subindo na mesa, cala os mortos da história ao pronunciar: Ordem e Progresso.

Reflexão:

Tomamos como base sobretudo a tese #9 para elaborarmos nossa apresentação. A questão central foi lidar com com a idéia de progresso contrastando com os "mortos da história", cujas vozes vão ecoando, murmúrios dos que vieram antes e por vezes em dissonância com a História oficial, lembranças do passado, de lutas que nos antecederam. "Essa imagem messiânica me pareceu muito forte, se articulando com o anjo histórico", comentou um dos colegas após a apresentação, que foi montada propositalmente em fragmentos, sem articulação precisa já que para Benjamin é impossível uma totalização da história, tal como adicionou o professor: "É bem benjaminiana a descontextualização da história, sem redenção com o passado. O progresso não olha para trás", tal como tentamos expressar na nossa encenação. Também procuramos dar forma a idéia do autor de historia a contrapelo fazendo nossos mortos fenecerem de trás para frente na fila em que formamos para apresentação. Além disso, procuramos questionar a idéia de paz, traçando contrapontos entre morte e paz, entre o discurso dominante e as vozes que permaneceram ecoando no palco.

Referências:

BENJAMIN, Walter. Sobre o conceito da História. In: Obras escolhidas - volume 1. Editora Brasiliense, 2008

2011-05-31T10:00:00.002-03:00

Na ultima aula o grupo montou uma apresentação que baseou-se na obra de Benjamin tomada em sua totalidade (o que nos pareceu pertinente, devido ao fato de tratar-se da ultima peça baseada no autor), e também, mais especificamente, na letra P de “Passagens”, “As Ruas de Paris”.

Tendo por foco discussões baseadas nas identidades, sua fluidez, metamorfoses e diferentes percepções das mesmas, bem como de seu caráter multifacetado que aparece recorrentemente na obra de Benjamin, construímos uma cena na qual noções identitárias se embaralhavam. Remetendo às ruas de Paris, que, conforme discutido pelo autor, tiveram diferentes nomeações em diferentes épocas históricas, os membros do grupo a todo o momento transitavam de auto-nomeações baseadas no gênero (“homem”) para outras baseadas na classe social (“burguês”), seguindo então para outras fundamentadas na política (“monarquista”) e destas para outras com significação geográfica (“parisiense”), dentre outras. Também foi proposto um diálogo com nosso docente, John Dowsey, convidado também a se auto-denominar. Por intermédio do recurso das identidades fluídas, objetivamos provocar uma reflexão a respeito da multiplicidade e contingência das mesmas, mantendo sempre em foco um debate com Benjamin.

O asco

2011-05-31T09:57:00.003-03:00

Rua de mão unica - Walter Benjamin

Um homem usando luvas levanta os corpos estirados no chão e os coloca em fila, colocados em fila os corpos mantém o aspecto morto até que o homem que os colocou em fila toque o apito que faz com que todos recuperem a vida. Em fila cada um só vê as costas de quem se encontra na sua frente e imita a ação deste, depois de andarem um pouco em fila o toque do apito anuncia que a pessoa apontada deve ser amordaçada e capturada, a fila leva a pessoa apontada pela carteira à qual ela foi amarrada.

Essa cena baseou-se predominantemente em 2 fragmentos "luvas" e "alemão bebe cerveja alemã". A cena inicial repleta de corpos mortos liga-se ao momento da história em que Benjamin viveu e ao trecho de "alemão bebe cerveja alemã" em que ele diz que a garantia do aniquilamento da vida espiritual é reconhecido na contagem de corpos. "Todo asco é originalmente asco pelo contato", o homem manuseia os corpos com luvas por medo de ser reconhecido por eles no contato, os corpos não são reconhecidos como humanos por ele e por isso ele os controla, para negar qualquer parentesco com eles, "é preciso se tornar senhor dela". Os corpos são colocados em fila e imitam o homem que os levantou e se colocou a frente da fila "nenhum vê mais adiante do que as costas do homem da frente,e cada um se orgulha dessa forma de ser o modelo para o seguinte". No final da cena, quando levamos a pessoa que o homem da frente pela carteira a qual a amarramos remetemos ao trecho "o asqueroso será violentamente enlaçado, devorado, enquanto a zona dp contato epidérmico mais fino permanece tabu". Os humanos tratados como não-humanos remetem ao tratamento dirigido aos judeus na Europa do inicio do século XX.

TS6 - noturno 16/05 - grupo brecht-benjaminianos

2011-05-30T15:37:00.003-03:00

Descrição da Cena:

Uma moça com uma caixinha de música se coloca no canto do palco e começa a tocá-la. Um de cada vez, vários personagens vão entrando em cena. Eles realizam tarefas cotidianas e algumas nem tanto. Um anuncia e vende jornais, outro fala ao telefone. Um terceiro escuta música, uma quarta lê um livro em voz alta, um seguinte equilibra um cérebro na cabeça. Enquanto estes personagens vão circulando pelo espaço, a moça da caixinha de música está o tempo todo em seu canto, entretida com o som que vem o instrumento, sem que nem ela ou qualquer um dos outros que passam se olhem. A música é abafada pelos passos e palavras dos outros.

A última personagem a entrar em cena é uma menina que espia a todos (mas ainda não se dá conta da caixinha de música). Segue a cada um dos personagens, todavia não recebe deles muita atenção. Existe somente uma interação por parte dos transeuntes, quando um compra um jornal. Do mesmo modo que entraram em cena, um de cada vez, vão se retirando da cena, até que sobram apenas a menina e a moça da caixinha de música. A menina finalmente percebe o som que é tocado e se comove por ele - dança. A menina toca no ombro da moça e as duas se olham. A cena chega ao fim.

A cena foi pensada com elementos de passagens, de rua, algo comum às ruas da cidade e à descrição de Walter Benjamin. Alguns dos personagens davam lampejos de elementos caros à obra benjaminiana, como por exemplo a moça que ia lendo e recitando um livro - uso da citação. O uso de diversos personagens e de falas sobrepostas dava a noção de fragmento. A menina que passava e percebia a todos mostrava a figura do flanêur, meio trazido por Benjamin de descobrir a cidade.

As duas imagens mais fortes na apresentação são a do cérebro sendo equilibrado e a da caixinha de música. O equilíbrio do cérebro mostrava a tentativa de “manter a cabeça no lugar” dentro da sociedade moderna, em que o mundo se esvazia de sentido. Essa figura um pouco bizarra, próxima a de um louco, mostra na verdade algo comum a todas as pessoas, que se vêem hoje submersas em uma vida na qual é preciso realizar um esforço para manter a coerência. Seria a própria figura de Benjamin, que se vale de instrumentos que a princípio podem parecer caóticos (escrita fragmentária) para denunciar a falta de coerência.

Existe também a música da caixinha que está presente o tempo todo na apresentação, mas quase se perde com os ruídos da cidade. Ela mostra a passagem do tempo, ao mesmo tempo que uma preservação de algo. Também pode nos remeter à infância, lugar privilegiado de reflexão na teoria benjaminiana.

Referência: BENJAMIN, Walter. Passagens. Org. Willi Bolle. Belo Horizonte/ São Paulo: Editora UFMG/ Imprensa Oficial do Estado de São Paulo, 2006.

Grupo: Beatriz Pereira, Caio Dias, Douglas Miyamoto, Fernanda, Fernanda Ortega, Henrique Cunha, Gabriel Neves - 1º grupo a se apresentar.

Passagens entre o tradicional e o moderno

2011-05-30T14:12:00.005-03:00

TS 6 : BENJAMIN, Walter. Passagens. Arquivos A, E, F, H, J, K, M, P. Belo Horizonte/São Paulo: Ed UFMG/ Imprensa Oficial, 2006.

Integrantes do Grupo: Andre Castilho Pinto, Camila Gui Rosatti, Camila Moraes, Fernanda Tavares, Jorge, Juliana Antunes, Rosemeire Almeida

O debate do grupo em torno do texto

A partir da leitura dos texto de Benjamin, o grupo pretendeu trazer em cena uma representação da passagem da Paris tradicional para a Paris moderna, fazendo assim uma referência mais ampla aos processos de transformação na sociedade industrial. A cidade romantizada é rasgada por grandes bulevares e avenidas, rompendo os laços anteriormente estabelecidos. A abertura dessas redes de transportes está diretamente associada ao fluxos de capital e mercadorias, que precisam de caminhos sem barreiras para deslizar os produtos decorrentes da industrialização. A produção de artigos em massa vêm em paralelo com a transformação dos consumidores em multidões, seduzidas pemas novidades. Em Benjamin, a ideia de progresso e decadência ocupando dois lados diferentes da mesma moeda. Ele fundamenta o conceito na catástrofe, e mostra que o progresso tem seus limites históricos e muitas vezes pontos cegos em sua razão: “tão logo o progresso se torna a assinatura do curso da historia em sua totalidade, o seu conceito aparece associado a uma hipóstase acrítica, e não a um questionamento critico” (p.520)

A proposta do grupo de representação

Ato 1: O grupo iniciou a apresentação com todas as integrantes cantando uma musica de roda, que faz referência ao embelezamento de uma rua:

“Se essa rua, se essa rua fosse minha / Eu mandava, eu mandava ladrilhar / Com pedrinhas, com pedrinhas de brilhante / So pro meu, só pro meu amor passar”

Inicialmente num tom de infância, o grupo vai até a frente da sala cantando e dançando em roda. Na segunda vez que a musica é cantada, acelera-se o ritmo e a força da dança, representando a passagem do tempo e a entrada num período alucinante da historia.

A ideia é marcar as grandes transformações da cidade, na mudança da antiga fisionomia das ruas e comércios.

Ato 2: Com o turbilhão da musica, a roda se desfaz e cada uma das cinco integrantes se transformam em maquinas, preparadas para abrir uma grande avenida que vai cortar a sala em diagonal. A sala se transforma num “grande canteiro de demolições”.

Todos os alunos e os professores são obrigados a se mexerem para passar o “progresso”. Ele chega rearranjando o espaço, cortando o território, dividindo grupos, desfazendo laços, destruindo o existente. O barulho das cadeiras sendo reviradas e um batuque de fundo dão o ritmo sincopado do processo de transformação da cidade.

Ato 3: A avenida é aberta e inúmeras lojas com grandes vitrines são instaladas ao longo do percurso. As multidões passam a circular nesses espaços. Nesse momento, os integrantes do grupo que eram maquinas voltam a percorrer a avenida representando:

_ um flâneur, que admira as mercadorias e se seduz pela cidade;

_ um corretor da Bolsa, que està preocupado com as taxas de lucro e cotações

_ um comerciante, que està interessado no lucro da venda de seus produtos;

_ um mendigo, que foi desalojado com as grandes reformas e agora perambula pelas ruas pedindo dinheiro. “E aqueles que não podem pagar... um albergue? Ora, esses dormem onde quer que achem um lugar (…) num canto qualquer onde a policia e os proprietarios os deixem dormir sem incomoda-los” (p.87, onde Benjamin cita Engels)

_ e a tropa do exercito, que percorre o caminho com a função de instalar a ordem na cidade.

Nessa terceira parte, todos os integrantes cantam outra musica de roda*:

“Como pode o peixe vivo, viver fora da água fria / Como poderei viver, como poderei viver, sem a tua, sem a tua, sem a tua companhia”

* Essa musica era preferia de Juscelino Kubitschek, e ela entra na apresentação como um lampejo, que ressoa às nossas imagens do progresso, que aqui nos chegou com a modernização do pais e a construção de Brasília.

Reflexões, comentários da sala e do professor:

Os comentários da sala ressaltaram o impacto que a representação da abertura da avenida causou nos alunos sentados em suas cadeiras, que foram desalojados no decorrer da cena. Os alunos e o professor tiveram que sair de suas carteiras deixando mochilas, cadernos, livros, com o risco de perder as coisas que nos são preciosas.

Também foi ressaltada a força que as musicas da infância trouxeram à cena, na medida em que se misturou o sensível do olhar infantil ao mecanizado, automatizado e anônimo da vida adulta e moderna. A desfiguração da canção infantil, deixou bem marcada essa passagem entre o tradicional e as inovações trazidas pelo progresso.

TS6

2011-05-30T11:40:00.001-03:00

Aline Hiane de Souza – NºUSP 5902756
Ana Carolina Lima de Jesuz – NºUSP 5995222
Camila Silveira Zulato – NºUSP 6555188
Davidson da Silva Formigoni – NºUSP 4929542
Gessimara de Sousa Fernandes – NºUSP 6470163
Hélio Wicher Neto – NºUSP 5163485
Ivo Paulino Soares – NºUSP 6470628

Teatro-seminário 6: “Passagens”, de Walter Benjamin.

Nos trechos de Passagens que escolhemos para a apresentação, Walter Benjamin discorre sobre as mudanças de Paris na segunda metade do século XIX. O urbanismo de Haussman sobre a cidade permite a reflexão das grandes mudanças ocorridas com a chegada da Modernidade.

A encenação do grupo se baseou nos relatos dos sujeitos que vivenciaram essas grandes mudanças. A sociabilidade do mundo tradicional se desmancha com a transformação da cidade. O grupo a encenou apresentando uma pequena comunidade em que os vizinhos mantém entre si uma calorosa conversa. O que buscou se encenar era a sociabilidade marcada pela pessoalidade e emoções típicas da vida provinciana. Cada um do grupo, no início da apresentação, estava alocado em uma casa desenhada no quadro negro. O compartilhamento das casas na comunidade faz uma alusão a Paris pré-Haussmaniana. Em um trecho específico do texto, um morador narra a transformação do conglomerado de cidades na capital do mundo. Emerge-se do conjunto de cidadezinhas o cosmopolitismo vanguardista de Paris. As passagens seriam as construções que cruzam a cidade, expurgam os moradores e se impõem em nome da ordem burguesa. O trecho aparece na encenação com o aparecimento do trem, desenhado no canto esquerdo do quadro negro. A locomotiva, assim como o ferro e a Torre Eiffel, além de símbolos da segunda revolução industrial, são partes do contexto de emergência de um mundo de mercadorias e impessoalidades. Ao lado do trem, um membro do grupo começava a apagar as casas e romper a vivência antes descrita. Quando a casa era apagada, o sujeito começava a perambular pelo palco esbarrando nos outros, seguido pelos seus colegas que também perdiam suas casas. A antiga sociabilidade deu lugar à cidade de homens sem rumos e sem nome. No lugar das casinhas, constrói-se (desenhou-se) as lojas de departamento. Seguidamente, o que foi estampado no quadro negro foram as mercadorias, o luxo capitalista que se desenvolvia enquanto os antigos moradores perdiam-se no tráfego. Nasce o desenraizado pariense. A paisagem anuncia a efetivação do lugar de passagens_ visão profética das metrópoles que se formavam.

A mercadoria e o urbanismo são os objetos privilegiados por Bejamin quando descreve o início de nossa época. O lugar projetado pelo urbanista foi palco dos problemas anunciados pela Modernidade, bem como dos encantamentos que engendrados por ela. Ao final apresentação, o grupo disperso no palco volta a se alocar. Finaliza-se o seminário quando a multidão se reúne encantada pela mercadoria. A admiração por ela reúne a massa embriagada pelo objeto que desmoronou sua habitação. O fascínio poético da Modernidade se traduz nas ruas abertas por Haussman. Ruas que abrigam a multidão deslumbrada pelo capital que as tornou multidão.

Rua de mão única

2011-05-26T21:23:00.000-03:00

Integrantes do grupo:

Felipe Salvador

Fernanda Becker

Fernanda Ticianelli

Leôncio Junior

Lize Marchini

Marcelo Campos

Thais Bessa

Texto de Referência:

Referência: BENJAMIN, Walter. Rua de mão única. In: BENJAMIN, Walter. Obras escolhidas II: rua de mão única. São Paulo: Brasiliense, 1993.

Cena

Quatro pessoas olham para a plateia e observam uma obra de arte não especificada que se encontra em frente a elas. As quatro pessoas primeiramente se impressionam de maneira vaga e superficial, chegando a soltar frases como:”Que legal!” ou “Que bacana!”.A primeira tem a ideia de tirar uma foto da obra de arte e então uma quinta pessoa(que representa a figura da reflexão que levará essas pessoas a repensarem de maneira mais crítica as coisas e fatos) sussurra no ouvido dela. Após isso a mesma se questiona: “Por que fazia aquilo?” ou “Por que deveria tirar fotos da obra de arte?”.

Então ela sussurra no ouvido da segunda pessoa e essa tenta se aproximar e tocar a obra de arte. Após isso sussurra no ouvido da terceira, que diz que a obra o faz recordar o pai que quando era vivo tinha algo parecido com ela em seu escritório e hoje diz ter certeza de que o que pai realmente gostava naquela obra era a forma como os raios de sol refletiam-se na janela.

Depois a figura da reflexão sussurra no ouvido da quarta pessoa que então atenta para uma inscrição que normalmente era ignorada, e descreve o seu significado, o lugar de origem da obra, que era originária do Egito, e a sua específica relação com Lewis Carroll e a lógica para se criar labirintos.

Reflexão

O grupo tentou apontar para a reflexão que nos leva a leitura da obra “Rua de mão única”, que com seu caráter questionador e fragmentário nos leva a ponderar novos pontos de vistas sobre coisas simples e do dia a dia, que estão imersas em uma diversidade de temas abordados a cada novo “capítulo”(todos independentes),de forma inovadora . E essa forma inusitada de questionar aparece constantemente, como no caso em que contesta o fato de que usamos luvas não pelo valor estético ou de proteção contra frio, mas sim pelo asco velado que temos de tocar as coisas. Também aparece quando faz aproximações inesperadas como o de dizer que prostitutas são como livros, porque sempre as levamos para a cama. Então tentamos apresentar uma situação em que as pessoas passam a refletir ou a questionar novas formas de apreender e lidar com a obra de arte que observam.

Na cena escolhida a pessoa que representa a “figura da reflexão” sussurra ao ouvido das quatro pessoas, e essas passam de um estado de apreciação vaga e superficial da obra de arte a um questionamento mais profundo. A primeira delas se pergunta por que deveria tirar fotos da obra de arte, ou seja, questiona se apenas gravar essa imagem numa fotografia seria a melhor forma de se entender e interagir com ela. A segunda é aguçada por outros sentidos além da visão, então tenta tocar e sentir com o seu corpo a obra de arte, vendo nisso um novo sentido nela e conclui: “É isso!”. A terceira é estimulada pela memória ao recordar do pai. E a quarta tentar se ater em pontos específicos da obra de arte, que normalmente eram ignorados, até chegar em uma sequência de correlações com outras coisas do mundo. Então todos os quatro são tocados por essa “alma”, como se ao ler uma obra de Benjamin ele nos sussurrasse seus questionamento, intrigando-nos.

Sobre o Conceito de História

2011-05-26T21:18:00.001-03:00

Integrantes do grupo

Felipe Salvador

Fernanda Becker

Fernanda Ticianelli

Leôncio Junior

Lize Marchini

Marcelo Campos

Thais Bessa

Texto de Referência:

Referência: BENJAMIN, Walter. Sobre o conceito da história. In: BENJAMIN, Walter. Obras escolhidas I: magia e técnica, arte e política. São Paulo: Brasiliense, 1985, p 222- 232.

Cena

Numa fábrica duas pessoas trabalham, um chefe e uma operária que está grávida. Esta última é tratada de forma sub-humana pelo chefe e produz um agasalho. Depois de um tempo esses dois saem do palco deixando o agasalho e entra outra pessoa (o “ator”) que veste esse agasalho e se concentra. Outras três pessoas aparecem e sobem no palco, elas se cumprimentam trocando conversas sobre viagens internacionais, depois se sentam nas cadeiras de frente ao ator. O ator fica em pé em cima da mesa e estende a mão como se estivesse segurando algo e diz "to be or not to be, that is the question". Os três que estão sentados batem palmas e dizem "bravo, bravo".

Reflexão

Decidimos trabalhar apenas com uma característica do texto “Sobre o conceito de história”, pois achamos o texto altamente complexo e pensamos que um teatro-seminário sobre todos os aspectos do texto seria muito confuso. Desse modo, nos concentramos apenas no sétimo fragmento.

Se a concepção do materialismo histórico parte do pressuposto de que o historiador deva reconstituir as relações sociais e históricas da produção da vida, para poder examinar os objetos da consciência, é verdade, então, que a análise do historiador sobre os bens culturais vai na contramão do senso comum da historiografia. Dessa perspectiva, Walter Benjamin pode defender um novo tipo de visão sobre os bens culturais, diferente da visão que olha positivamente os bens culturais como grandes realizações individuais, o materialista histórico olha com desconfiança, e acima de tudo olha aquilo que está ausente nos bens culturais, nas palavras de Benjamin: “Pois todos os bens culturais que ele (o materialista histórico) vê tem uma origem sobre a qual ele não pode refletir sem horror. Devem sua existência não somente aos esforços dos grandes gênios que os criaram, como corveia anônima dos seus contemporâneos. Nunca houve um monumento da cultura que não fosse também um monumento da barbárie. E, assim como a cultura não é isenta de barbárie não o é, tampouco, o processo de transmissão da cultura. Por isso, na medida do possível, o materialista histórico se desvia dela. Considera sua tarefa escovar a história a contrapelo” (BENJAMIN, 1985, p. 225)

O teatro-seminário tentou trazer a tona essa vinculação entre barbárie e cultura com duas cenas que representam cada um desses polos: de um lado há a dura exploração na sua forma mais caricata que lembra as condições de trabalho na Inglaterra do século XIX (mulheres grávidas sendo submetidas à longas jornadas de trabalho em condições degradantes); de outro lado, há o exemplo de um das realizações culturais mais famosas no ocidente (uma fala da peça “Hamlet” de Willian Shakespeare). E esses dois extremos são ligados por um bem material (o agasalho) que mostra que mesmo os elementos da alta cultura precisam manter algum vínculo com as formas de produção existentes.

Barulho de Feira

2011-05-26T15:37:00.001-03:00

O vasto arsenal de elementos trazidos a partir das diversas perspectivas de leitura foi proporcional à numerosa composição do grupo de TS na última semana: ao todo, oito pessoas fizeram parte da discussão e elaboração da cena proposta. De modo que, apesar da bagunça de ideias e a consequente dificuldade na organização e objetividade da cena, essa característica plural foi imprescindível ao arranjo teatral fragmentado que formulamos, aberto a diversas interpretações.

Nossa discussão foi permeada principalmente pela modernização das cidades, que segundo nossa interpretação possui exemplo no que Benjamin chama de Haussmannização de Paris, as radicais transformações arquitetônicas, projetadas em uma ideia de rápida e eficaz circulação por grandes vias, artérias dentro da cidade, engolindo as pequenas vielas, passagens e becos que antes caracterizavam a composição urbana de Paris. Viabilizou-se, dessa forma, com grande eficiência as repressões sobre possíveis revoltas e rebeliões populares. Essas características da Haussmannização se tornou referência para arquitetura urbana moderna, testemunhadas em cidades como, por exemplo, São Paulo. Também emergiu no debate o caos intrínseco às metrópoles: barulhos em diversas frequências sonoras, imagens em diferentes cores, formas e tamanhos, informações em cima de informações.

Nos foi importante, a partir destes pontos, as percepções e sensações humanas em meio as cidades, considerando o que em Passagens é chamado de perspectiva sufocada, que entendemos como a sensação de sufocamento dos indivíduos no meio urbano moderno: nas passagens, ruelas, ou mesmo perante as posteriores características da Haussmannização. Começamos a nos questionar e a debater como nos sentimos sufocados pelas informações caóticas, pelos diferentes modos de repressão, a cidade como detentora de formas e conteúdos que proporcionam sensações frequentes de asfixia. Porém, apesar de sufocante, podemos interagir e recorrer aos elementos urbanos de um modo diferente, recuperando os traçados imperfeitos das grandes cidades, nos deixando levar por vias inseguras, embriagando o nosso caminho. “Quem quiser saber o quanto estamos nos sentindo em casa nas vísceras, deve deixar a vertigem levá-lo pelas ruas, cuja escuridão tanto se assemelha ao colo de uma prostituta” (Pg. 556).

É interessante salientar que um elemento do grupo havia acordado no dia com uma terrível falta de ar e uma cruel dor de cabeça, nos trazendo a ideia inicial da cena, que após muita discussão foi sendo reformulada e, ao fim, se tornou basicamente o seguinte: em meio a uma roda no centro da classe de aula, envolto aos demais alunos, uma das pessoas do grupo interpretaria o indivíduo asfixiado pelos elementos da cidade moderna, significando justamente a perspectiva sufocada. Para simbolizar esses elementos urbanos sufocantes, cinco pessoas proporcionariam o caos sonoro: telefones, músicas, sirene, máquinas de construção e diferentes outros estigmas do caos (pensamos em elementos sonoros pelo fato de serem os de mais simples simbolização com os recursos que possuíamos). Também havia uma pessoa do grupo que anotava as sensações do homem sufocado, por vezes reproduzindo também suas ações, pensamos neste personagem como um cientista, um etnógrafo, como agente de reprodução social, muitas vezes sem pretensão de rompimento ou mudança. Por fim, projetamos o papel do homem vertiginoso, que representa o outro tipo de relação com a cidade e as coisas e sensações modernas, ele que pelos seus movimentos, imperfeitos e embriagados torna possível uma diferente sensibilidade. A pessoa do grupo tentaria então retratar essas relações e sensações por via de uma certa performance lisérgica.

Diferentes podem ser as percepções da cidade, diferentes são as interpretações de Passagens, e diferente do que pensamos em representar foram as interpretações sobre o nosso TS. A frente reproduziremos alguns dos comentários feitos em sala de aula:

“Barulhos da cidade, coisa maluca, somos tão acostumados com o barulho, que não conseguimos ficar em silêncio por muito tempo, fica sempre um zunido no ouvido. Há um tempo atrás houve uma lei para banir o barulho da feira”.

“A gente se acostuma a tal ponto que as vezes nem percebe os barulhos que foram criados para chamar atenção, ou que chamam atenção”.

“ 'Nada a dizer, apenas a mostrar': A cena de vocês. O jeito de dizer às vezes provoca algo, mas às vezes é melhor não dizer nada, só mostrar, como vocês o fizeram.”

“Ele que começa a bagunça e ele que termina também. Parecia um controle na mão dele, ele tentando mudar de canal, mas não tinha mais controle sobre a situação”

“Como um texto cheio de ruídos, rupturas, incomoda a gente mais do que simplesmente encarar a vida real, toma outras proporções quando trazido à sala”.

“A cultura encarada como um texto, dificuldade de pensar algo não linear (apesar de que cada vez mais a nossa forma de recepção de informação é fragmentada, não linear, através de diversas mídias que constantemente nos atravessam, a gente insiste em apreender ou expressar o mundo de maneira academicista, linear, com início meio e fim, sem fugir ao já estabelecido há séculos!)”.

“Tanto o shopping com suas luzes (os cassinos sem relógios e com suas luzes vermelhas fortes, completamente fechados ao ambiente externo) como a 25 de Março com seu excesso de sons meio que nos envolvem num torpor de embriaguez e drogas que nos tira do mundo real, parecemos plainar em outro mundo-mercadoria com uma noção de tempo alienante”.

“Esse TS me chamou atenção também pela sua forma espacial, de repente abrimos possibilidade para outras formas de produzir conhecimento - todos em roda, se olhando - como criar e quebrar os hábitos”.

BENJAMIN, Walter. Passagens. Org. Willi Bolle. Belo Horizonte/ São Paulo: Editora UFMG/ Imprensa Oficial do Estado de São Paulo, 2006.

Último grupo a se apresentar no dia 19/05

Integrantes presentes: Fabrício Morais, Lucas Paz, Leslie Sandes, Marília Nogueira, Nina Castellano, Paulo Serber , Rodrigo Rodrigues, Uira Alves.

Corpo como cidade: duas perspectivas e os poderes das mudanças

2011-05-26T12:44:00.002-03:00

Mulher sentada numa mesa é retratada por dois pintores. Cada um representa em seu desenho aquilo que consegue captar da figura observada. Procede-se então uma transformação na figura: a mulher é colocada em pé e seus trajes são trocados, processo que é observado com curiosidade pelos dois pintores, que nesse momento já não pintam, apenas olham a transformação. Ao final, cada um deles emite sua opinião sobre a “nova mulher”, ao que segue uma discussão, pois possuem ideiais de beleza distintos.

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O objetivo da cena, ao colocar uma mulher sentada na mesa - com o olhar fixo, em uma posição sensual projetada pelas curvas das articulações, como se fosse uma escultura ou um manequim, sem fazer nenhum movimento e logo depois instaurar uma transformação em sua postura e vestimenta –, foi tentar trazer para o corpo aquilo que acontece na Paris do século XIX e é descrito no texto Passagens, de Walter Benjamin. Enquanto os dois retratistas desenham numa lousa uma transcrição do que eles vêm - cada um deles com sua própria objetividade, subjetividade ou seu jeito mesmo de pintar, captar, criar, expressar e interpretar - o corpo, espontaneamente, que continua sendo um corpo vivo, fala por si mesmo, fala com as lagrimas que chegam pela atividade de aguardar a vida com uma mesma direção, pois todos os processos vitais ainda continuam, o coração bate, os pulmões respiram, o sangue circula, como tudo o que acontece nas passagens.

Os dois pintores representam, na verdade, duas formas (que poderiam ser mais) de ver a cidade. Um enxerga na antiga cidade um lado romântico, pré-moderno, o que fica claro em seu desenho figurativo. O outro parece estar mais em sintonia com aquele tempo de transformação, revelado em seu desenho pelos traços que não chegam a formar uma figura, aludindo a um processo mais abstrato.

Logo, a mais renomada situação chega, a ¨haussmanização¨, para que ela (a mulher ou a cidade) seja arrumada, embelezada, reconstruída, recriada, e restaurada. Desse modo, a mulher é colocada numa posição ereta, e inicia-se o processo de transformação. Roupas novas são colocadas, o cabelo é penteado, acessórios são estrategicamente adicionados, dialogando, assim, com todas as questões de ordem, a lógica cartesiana, a imposição pelos poderes das sociedades.
Entretanto, as mudanças não são apreciadas por todos: os retratistas começam a discutir, pois têm opiniões divergentes; um prefere a nova forma, o outro a antiga. Como no texto de Benjamin, em que vários fragmentos tentam dar conta da variedade de visões sobre a cidade e sobre as transformações que nela ocorrem, a cena, de forma bastante reduzida, tenta emular os contrastes de opiniões na figura de dois pintores.

Bibliografia:
BENJAMIN, Walter. Passagens. Arquivos A (Passagens...), E (Haussmanização, lutas de barricadas), F (construção em ferro), H (O colecionador), J (Baudelaire), K (Cidade de sonho...), M (Flaneur), N (Teoria do conhecimento, teoria do progresso), P (As ruas de Paris). Org. Willi Bolle. Belo Horizonte/ São Paulo: Editora UFMG/ Imprensa Oficial do Estado de São Paulo, 2006.
KRAUSS Rosalind. Balés Mecânicos: Luz, Movimento e Teatro. Em Caminhos da Escultura Moderna. São Paulo: Martins Fontes, 1988

Participantes: Érico, Isadora Biella, Julio Talhari, Maria Antonia Villacís.

Anatomia dos espaços

2011-05-26T08:54:00.000-03:00

Anatomia dos espaços

Na discussão precedente à apresentação da performance, sobre “Passagens”, de Walter Benjamin, visualizamos um sentimento de que as coisas vão passando, de que tudo está mudando, e, no entanto, não nos encontramos nessa mudança. Observamos que a sociedade vai sofrendo transformações e nós também, no sentido de que envelhecemos e adquirimos novos valores, contudo, nem todos conseguimos atingir a meta ideal do progresso, modificarmo-nos economicamente falando, termos acesso a qualquer bem material que queiramos, assim, é como se as pessoas que não progridem materialmente estagnassem num patamar em que prevaleceria, num instante de reflexão sobre sua vida, um sentimento de estranheza diante do inatingível, quanto a algo que se deseja tanto, se luta arduamente por isso a cada dia, se dedicam horas a isso e, no entanto, não se obteria nenhuma reciprocidade que fosse párea aos sonhos que o progresso alimenta.

É como se, em outras palavras, nossa sociedade deixasse pelo caminho, os restos, pelos quais as crianças tanto se interessariam, como é descrito em “Rua de Mão Única”. Vamos vivendo e experimentando, todavia, os mesmos problemas, como destroços, vão ficando pelo caminho...

Os problemas e afazeres continuam a ser passados de geração a geração sem serem totalmente resolvidos, como a questão da fome, que aparece como não solucionada ou, como sendo um possível problema futuro; e, Benjamin, se atenta para essas coisas que deixamos passar, que ficam à espera de resolução. Ele se apega aos detalhes dando-lhes significância. É uma idéia que se aproxima de Turner, quando vemos que os ruídos, os elementos arredios, são contribuintes para com a revitalização de processos estruturantes.

Pensando nestas questões, bolamos a seguinte esquete: uma cena de cirurgia, em que os médicos (o progresso), vão operando a paciente (a cidade), e assim, a doutora cirurgiã vai pedindo os instrumentos cirúrgicos (boutiques, loja de calçados, ou seja, construções capitalistas que geram lucro), no caso, se está moldando uma cidade com suas passagens, que devem ser locais de movimento, que vislumbrem produtividade. A médica pede à sua auxiliar uma sugestão do que colocar na paciente, então, se sugere uma praça e, como praça não teria uma função mercantil, porque as pessoas iriam nela em momentos de lazer, para passar o tempo ou para conversar, o progresso a descarta. Então, se sugere farmácia e, a médica coloca logo um monte de farmácia nesta paciente. Farmácia, aqui, no sentido de que as pessoas precisam de ser remediadas a fim de esquecer do que está errado com as conseqüências de um ideal de progresso desenfreado, quando elas têm lampejos de lucidez sobre o que é e estão fazendo de sua vida. Portanto, o remédio seria uma forma de mascarar, de naturalizar os problemas.

Continuando, a paciente quase entra em colapso e a médica grita para colocarem o desfibrilador na enferma. Passada a tensão, recebe alta. Então, essa pessoa construída, a cidade, levanta-se, só, que ela percebe que não está tudo bem, ela está sofrendo seqüelas da cirurgia, está aturdida, com um efeito de estranhamento. A pessoa recém-construída olha à sua volta e só vê pessoas ao seu redor andando sem parar, porque uma cidade é feita de trabalho constante, em que as próprias pessoas tornam-se mercadorias (as pessoas reproduzem a máquina de vendas decorrente do progresso, a sua corporalidade é envolta pela publicidade para vender produtos). Assim sendo, a protagonista começa a querer falar às pessoas à sua volta, ela sabe que algo está errado, porém, não consegue exprimi-lo, e isso, o sente na própria pele, isto é, o fato de que a vivência para o progresso instaura marcas profundas nos habitantes citadinos (um exemplo disso é o uso indiscriminado de botox pelas mulheres, principalmente, que, por causa de se querer encobrir a velhice, na sociedade, já que o velho seria o “não produtivo”, as pessoas são capazes de transformar-se num nível que pode chegar à desfiguração de suas faces).

A protagonista tenta parar as pessoas a fim de dizer-lhes que algo está errado, contudo, os outros não percebem o que aquilo significa e só reproduzem anúncios de propaganda, como: “Uma mulher de negócios bem sucedida, uma mãe amável. Assine Cláudia”. Depois que os transeuntes anunciam as propagandas, não deixam de colocar remédios na boca da paciente, visto que as pílulas trariam o esquecimento dos problemas e o alívio para o contínuo convívio condicionante. Por fim, a paciente sai andando cambaleante, ficando num estado de não resolução neste atordoamento de alma incessante.

Em suma, em “Passagens”, Benjamin expõe a dinâmica dos locais fixos, em que passagens lembram outras, passagens mudam de nomes, e que novas passagens vão surgindo. Essa transformação da passagem, enquanto espaço restrito, reflete a mudança do todo, que seria a cidade e, fazendo uma analogia desses espaços com a corporalidade, o indivíduo se modifica ao passo que um corpo social está sofrendo alterações e, que por mais que as ruas sejam vistas quase como entidades, pela sua carga de transformação e de transmissão de diversas impressões, são as pessoas quem têm o poder em suas mãos, são elas quem dão significados às coisas e encantam um lugar .

Bibliografia:

BENJAMIN, Walter. Passagens. Arquivos A (Passagens...), E (Haussmanização, lutas de barricadas), F (construção em ferro), H (O colecionador), J(Baudelaire), K (Cidade de sonho...), M (Flaneur), P (As ruas de Paris). Org. Willi Bolle. Belo Horizonte/São Paulo: Editora UFMG/Imprensa Oficial do Estado de São Paulo, 2006.

Grupo Potlach, Vespertino.

2011-05-25T20:31:00.002-03:00

Alunos: Emerson Rios Viana, Marcus Vinicius Santos, Beatriz Bonaldi, Letícia Neumann, Manuella Alves, Priscilla Cardoso, Maria Fernanda Sampaio.

TS6 - BENJAMIN, Walter. Passagens. Arquivos A, E, F, H, J, K, M, P. Org. Willi Bolle. Belo Horizonte/ São Paulo: Editora UFMG/ Imprensa Oficial do Estado de São Paulo, 2006.

Cena: Consumismo descartável

Cenário: uma mesa grande, acima desta uma mesa menor, e acima desta uma cadeira; há um lenço na cadeira e vários objetos em cima da mesa maior, como bolsas, óculos, livros, etc.

Personagens: 4

Descrição da cena:

As personagens começam a rodar em volta da mesa maior, sem se darem conta do que há em cima da cadeira. De repente, as quatro notam a presença de um lenço, e começam a girar mais rapidamente em torno da mesa, tentando puxar o lenço. A personagem 1 consegue pegá-lo, o enrola no pescoço e começa a desfilar com ele, provocando inveja nas outras três personagens. A personagem 2 fica próxima da personagem 1, cobiçando seu lenço, enquanto as personagens 3 e 4 continuam a andar lentamente em volta da mesa, até que notam a presença de um óculos em cima da cadeira. E recomeça a tentativa de pegar o objeto em cima da cadeira. A personagem 1 joga o lenço fora, em uma clara demonstração que seu objeto de desejo mudara; ela consegue pegar o óculos e sai com ele da sala. As personagens 2 e 3 vão atrás dela. A personagem 4 pega o lenço caído no chão e utiliza-o de uma forma diferente da personagem 1, enrolando-o na cabeça.

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A cena representa uma metáfora tanto em relação às passagens de Paris quanto à estrutura cíclica da moda e a sua força como elemento catalisador de um consumismo desenfreado.

Criadas no fim do século XVIII, as passagens tiveram seu auge por volta da década de 1850. Elas representavam um luxo acessível à burguesia, visto que a novidade das passagens, como disse Fourier, ‘(...) é um encanto tão novo que bastaria isso para tornar nossas cidades e castelos detestáveis a quem quer que tivesse passado um dia de inverno num falanstério.’ (Benjamin, 2006, p. 87). No fim do século XIX, sem motivo aparente, as passagens foram caindo em decadência e passaram a ser ‘(...) uma espécie de abrigo de que nos lembramos, de repente, quando chove.’ (Benjamin, 2006, p. 162). George-Eugène, barão de Haussmann, nomeado prefeito do departamento do Sena em 1853, reestruturou Paris completamente, destruindo praticamente toda a cidade (inclusive as passagens) e construindo novas habitações, parques públicos, serviços de esgoto, gás e água em todos os bulevares.

A segunda metáfora representada na cena é em relação à moda. Quando somente a personagem A obtém acesso aos dois produtos cobiçados, mostra-se claramente o acesso restrito de uma classe dominante aos produtos mais elitizados lançados pela indústria da moda. O reaproveitamento do lenço pela personagem 1 representa uma classe mais baixa que reaproveitaria o produto sem se importar se ele está na moda ou não, e qual seria a ‘melhor’ forma de utilizá-lo.